Post-Impresionismo

La merienda o la siesta
(Vincent Van Gogh)


Fecha: 1889-1890

Materiales: Óleo sobre tela

Dimensiones: 73 x 91 cm



Descripción

El tema que desarrollado por el artista en esta obra es el descanso de una pareja de campesinos a la hora de la siesta, es decir después de haber trabajado.
En primer plano, se encuentra una mujer y un hombre acostados sobre un pajonal, junto a ellos se puede ver que hay un par de zapatos (debido a que el hombre esta descalzo) y dos hozes (elemento usado para ese tipo de trabajo).
En el fondo, se pueden ver tres bueyes alimentándose junto a una carreta y a un hombre que aparentemente los esta cuidando.
En cuanto a la forma, los objetos son totalmente curvos esto se puede notar fácilmente en el cuerpo de las personas que prácticamente no presentan líneas rectas y en los montículos de trigo recogido.
La textura de esta obra se puede decir que debe ser rugosa, áspera y con grandes relieves, debido a la técnica utilizada por el artista (empaste).
En cuanto a la luz, esta se puede ver en el fondo y en la parte inferior de la obra.
Con respecto al color, en la obra predominan los colores cálidos exceptuando la ropa de los campesinos y el cielo en donde se ven colores fríos.
El artista para haber podido llevar a cabo esta obra utilizó óleo, al cual lo aplicó sobre una tela de 73 x 91cm.
Van Gogh al igual que varios impresionistas se caracterizó por su técnica rápida, de largas pinceladas cargadas de materia pictórica.


Análisis formal

La obra posee un gran movimiento, debido a la técnica y a las características de las pinceladas hechas por el artista. Estos movimientos son mas notorios en los cuerpos de los campesinos y en el cielo, aunque también se pueden notar en el trigo donde están reposando.
Es notorio que el artista le da un importante énfasis a los campesinos durmiendo y al entorno en donde se encuentran porque es realmente aquello lo que quiere mostrar.
Para poder mostrar esto, hizo uso de los colores, contrastando la ropa de los campesinos con el trigo.
La profundidad en esta obra se da a través de la diferencia de tamaños, la superposición de planos y por los efectos del color (en cuanto a la sombra debido que lo que es mas oscuro esta mas cercano mientras que lo que es más claro se encuentra más lejos).
Para darle más importancia a los campesinos los enfoca, mientras que a los bueyes y al hombre que se encuentran en el fondo los esfuma y no le da tanto protagonismo.
La relación que existente entre el sujeto y tema desarrollado por el artista es que trata sobre el descanso de los campesinos a la hora de la siesta y claramente se puede interpretar que habían estado trabajando (cosechando trigo) debido a que se ven sus herramientas de trabajo y aparte porque se pueden apreciar sus rostros cansinos.


Interpretación

La obra comunica notoriamente paz y descanso luego de una ardua jornada de trabajo.
Por el orto lado, transmite una sensación de esclavitud, debido a que se los ve sometidos a un trabajo bruto y tortuoso.
Este tema, el de los campesinos, es característico en la vanguardia en donde se puede ubicar esta obra, que es el postimpresionismo (que se desarrolló entre 1880 y 1910).
Los postimpresionistas en esa época se dedicaban, especialmente Van Gogh, a pintar temas relacionados con la naturaleza y la gente humilde trabajadora.
El legado que pretende dejar el artista con esta obra es mostrar las condiciones de trabajo de los campesinos y la forma de vida de estas personas, a la sociedad.
La obra es semejante por las características pinceladas de Van Gogh al resto de sus obras.
También, es muy parecida, la forma de las pinceladas de la vestimenta de los campesinos, con la vestimenta de él en su autorretrato, que de hecho usa la misma gama de color.
Con respecto al trigo, es también semejante a la obra pintada con posterioridad por él, llamada “ El campo de trigo con cuervos”.
El color utilizado y predominante de la obra es el amarillo, que también se encuentra con frecuencia en las obras realizadas por él.
La obra contiene una semejanza, con respecto a la temática, con una obra de Gauguin, llamada “La cosecha o paisaje Bretón”, que fue realizada en la misma época.
El propósito de la obra es mostrar la necesidad de un descanso en trabajos duros y forzados.
Durante esta época, la tarea de la cosecha era algo sumamente importante para los dueños de los campos y para la población debido a que el trigo para ellos era el sustento de sus comidas, porque con el preparaban el pan, el cual nunca se podía ausentar en una mesa.
Entonces, es por eso que el artista quiere mostrar como se llega a conseguir esta materia prima y también mostrar que hay personas que hacen un trabajo forzado para conseguirla y brindársela a la población.


Juicio

Desde un punto de vista neutro, la obra tiene un importante valor a pesar de no ser tan conocida como el resto de las obras de Van Gogh.
En ella se reconoce claramente la vanguardia a la que pertenece y el estilo de pintura del autor.
En cuanto a lo emocional, la obra transmite una sensación de descanso y paz interior luego de haber realizado tareas de exigencia física.
A la vez provoca tristeza en el observador al verificar las condiciones de trabajos forzoso a la que estaban sometidos los campesinos en ese momento.
En cuanto a las imperfecciones, el rostro del hombre y sus manos no están bien definidas.
Por el contrario, el autor logro una excelente reproducción de los cuerpos en reposo.
El autor en la obra utilizó su creatividad para mostrar un tema tan común como era la cosecha del trigo, de una forma distinta.
Sacando conclusiones, es una obra que sirve para detenerse un minuto y reflexionar acerca del privilegio que tenemos de pertenecer a un estrato social diferente.

Por Camila Chiara

Surrealismo

Premonición de la guerra civil
(Salvador Dalí)


Fecha: 1936
Materiales: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 100 x 99 cm.



Descripción

Se reconocen figuras del cuerpo humano (caras, manos, brazos pies, piernas, lengua), el cielo, una caja que también podría ser una puerta. También hay muchas figuras abstractas.
Se presentan formas un tanto abstractas y también formas del cuerpo humano combinadas de tal manera que hace la obra un tanto abstracta. Predominan el dinamismo por sus líneas curvas y por el sombreado de las formas (un tanto indefinidas), el cual también denota el volumen. Sin embargo, no se encuentra punto de fuga ni perspectiva más que el horizonte y el cielo. Hay mucha desproporción de tamaños, ya que la gran figura, mitad abstracta y mitad concreta, es enorme con respecto a la pequeña caja/puerta en la cual se ¿apoya?
La paleta de color es restringida a la gama del color carne/piel, por lo tanto predominan los colores cálidos, aunque también se presentan colores fríos en el cielo pero en menor grado. Los colores son claros, pero las partes sombreadas le dan su tono más oscuro a la obra. Las zonas más iluminadas son las nubes (cielo) y las figuras ubicadas en la parte posterior de la obra.
Dalí se caracterizó siempre por la perfección de sus obras, le digo “perfección” porque no se nota para nada la pincelada en ninguna de sus obras y esta es una más de esos ejemplos. Resalta mucho los volúmenes a través de las sombras.


Análisis formal

No se encuentra ningún tipo de simetría en la obra en sí, puede observarse en la estructura similar a un brazo una especie de simetría en la forma y los músculos, pero la obra en sí es asimétrica. Se transmite una sensación de movimiento en la figura semi-abstracta, ya sea por sus líneas dinámicas, como por sus colores cálidos que le aportan algo de vida a aquello. La figura (colores calidos) corta con el cielo de colores fríos.
Puntos de énfasis se pueden encontrar en la cara ubicada en la parte superior, como también en la mano y el seno de la izquierda, así como también en el pie de la derecha de la obra.
Se presentan patrones repetitivos como las manos y los pies, en distintas partes de la obra. También distintos tipos de estructuras del cuerpo humano.
Se trata en sí de diversas partes del cuerpo humano deformadas y unidas de tal manera que configuran una estructura irreal.
Con respecto al recurso técnico utilizado, se puede apreciar que la perspectiva se da a través del fondo de colores fríos (lejanía) y sobretodo porque la figura se presenta en colores cálidos, los cuales denotan cercanía con respecto al cielo. Llega un punto del cielo en que las nubes parecen esfumadas.
Se pueden identificar sujetos-tema como por ejemplo que se tratan distintas partes del cuerpo lastimándose unas a otras, sin embargo la manera en que está presentada, es muy ficticio.


Interpretación

Como principales cualidades expresivas, la obra expresa violencia, agresividad y hasta podría decirse que es vulgar. Parece influir el contexto histórico y social de la época.
La cara deja en evidencia cierta satisfacción/placer perverso por el dolor que se está auto causando.
Como se tratan de objetos concretos pero mezclados de tal manera que la terminan configurando como abstracta, esta obra es surrealista. Por otro lado, al ser de Dalí, uno de los más famosos representantes del surrealismo, ya deja en evidencia la vanguardia a la cual pertenece la obra.
Podría tener algún tipo de influencia el cubismo, por su limitación de la paleta al color carne, su agresividad y hay una importancia clara en lo que se va a retratar. Importa mucho cómo hacerlo en vez de retratar algo igual, también es un cuadro realista limitado a irreal. Se presentan símbolos de guerra.
Por otro lado, tiene en común cosas con el dadaísmo, ya que presenta objetos puestos de forma rara, como las figuras del cuerpo humano.
Como legado a futuro, deja algo muy importante, que es la idea de representar los sueños en el lienzo, en las obras, la interesante manera de mezclar cosas reales de tal manera que la obra resulte abstracta, bien típico del surrealismo.
Como analogía importante, encuentro al cielo tan característico de Dalí y ese perfeccionismo que deja en cada una de sus obras.
Evidentemente, el propósito de la obra era mostrar distintas partes de un mismo cuerpo lastimándose violentamente entre sí. Dalí quiso expresar la guerra civil española que estaba a punto de estallar, por decirlo así, y lo hizo a través de lo ya explicado. Quería mostrar lo triste y agresivo que era ver en una misma nación (cuerpo) que luchen internamente por imponer su ideología y así sólo se cause más dolor y desunión.


Juicio

Neutralmente, la obra es muy interesante por su agresividad y repulsión.
Sin embargo, despierta en mí emociones un tanto de enojo, pero por otro lado tristeza e interés por la obra.
Como aspectos negativos, me parece muy desagradable y violento la mano apretando el seño, la cara de satisfacción un tanto perversa y la lengua que se encuentra como separada del todo.
Como aspecto positivo y también creativo, en cambio, me parece una obra muy original e interesante y me gustó mucho que Dalí quiera expresar de una manera tan creativa y, en consecuencia, atrapante lo que se ve de una guerra civil, dejando en evidencia lo feo que se de desde afuera que en una nación se peleen por dentro.
Dalí quiso resaltar esa expresión particular del surrealismo, las cosas tanto concretas como abstractas, los sueños, la manera en que la mente humana mezcla de manera inconsciente (o consciente, también), las distintas ideas en el cerebro ya sea en los sueños, o no.

Por Marina San Martín

Simbolismo

El Grito
(Edvard Munch)


Fecha: 1893
Materiales: Tempera y pastel sobre tabla
Dimensiones: 91 x 73,5 cm.


Descripción

Puedo reconocer un puente, un río, unos barquitos, un cielo y personas.
Se encuentran muchas líneas en la zona del puente, las maderas. También hay muchas líneas curvas. Deformaciones de las figuras (humanas sobretodo).
En el puente se encuentran sombras, específicamente en la baranda. El volumen se expresa sobretodo con la perspectiva y los cambios de tamaño. El punto de fuga se encuentra a la izquierda. Él está más grande que sus compañeros.
Utiliza colores arbitrarios, complementarios y predominan los colores oscuros y son opacos.
La cara se encuentra más iluminada que el resto de la obra y también el cielo, pero en definitiva es una obra oscura y opaca.
Se utilizan pinceladas largas, mezcla colores complementarios.


Análisis formal

Hay un equilibrio en la figura más cercana, pero no llega a ser simetría. Hay mucho contraste entre el fondo (colores cálidos) y lo demás (colores fríos/oscuros). El mayor punto de énfasis es la cara deformada. En la persona principal, predominan las líneas curvas tanto como en el fondo (río y cielo) mientras que en el puente y las personas de atrás predominan las líneas rectas.
La perspectiva se ve en forma regresiva, ya que hay un punto de fuga en el medio hacia la izquierda, que demuestra cierta lejanía, pero también el cielo está representado con colores cálidos, que indican una especie de cercanía. La persona principal es muy grande, en relación con las demás personas más atrás, hay una diferencia de tamaños evidente.
El horizonte está esfumado, así como el río y el cielo.
En esta obra, se pueden observar a dos personas a lo lejos caminando por un puente y a otra principal que se encuentra alejada de las otras dos, pero más cercana en perspectiva. Esta es una situación bastante acercada a una situación cotidiana.


Interpretación

Principalmente, se interpreta como un grito de desesperación, un pedido de ayuda. Esto se nota porque el mayor punto de énfasis se encuentra en la cara deformada de la persona principal, que demuestra estar gritando de una manera desesperante y parece estar horrorizado. También se nota al estar la cara un tanto deformada. Representa la situación personal del autor.
Por otro lado, se observa que le da más énfasis a la figura principal y que el fondo se encuentra más difuso, pero existe una relación de dependencia entre la figura y el fondo, por más que uno se encuentre más “desvalorizado” que el otro. Lo más importante es el estado de la figura que puede interpretarse como que se encuentra en un estado de desesperación, angustia, necesitado de ayuda, horrorizado; pero esto se relaciona con el fondo donde representaría que, a pesar que parezca de menor importancia, influye en él, ya que el fondo representaría una situación cotidiana, de un puente, con su correspondiente río y el cielo. Pero hay un detalle en el río, que es el de dos barquitos, donde se encuentran personas que pasean con tranquilidad, relajándose, sin tener preocupaciones que es aquello que influye sobre la figura, ya que a ésta le tocó vivir una situación desesperante y, al ver que otros viven tranquilos y relajados, se siente horrorizado de su situación y le gustaría estar como aquellas personas en los barquitos, ser uno más. Esto también podría estar expresado por el hecho de que en el fondo predominan las líneas curvas, mientras que donde él se encuentra (puente), son líneas rectas, pero él corta con esas líneas rectas, que son en él más curvas, lo cual podría interpretarse que desearía ser parte del fondo, de la gente normal, sin problemas.
Como es una representación/expresión de la situación personal del autor, se caracteriza por los cambios de escala, deformaciones, colores complementarios y símbolos, indica pertenecer al simbolismo/expresionismo nórdico.
El expresionismo fue una corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. Es decir anteponía esos sentimientos a las propias formas.
El movimiento artístico en el que Munch se encontraba también respondía ante las clases burguesas y muchas veces a través de la representación de los sentimientos trataban de reflejar las injusticias sociales.
Munch llevaba al límite la pintura no objetiva.
Influye mucho el post-impresionismo, al poner colores un tanto yuxtapuestos, al desmaterializar el fondo, utilizar colores arbitrarios, perspectiva deformada y también esa intención de sacudir al espectador.
Tiene parecidos con algunas obras de Van Gogh, y también, siempre se supo que se sentía atraído por las obras de Gauguin (viajaba mucho a París) y comparte con él ese simbolismo característico.
El Grito y la obra de Munich, tuvo, en general, una relevante influencia sobre el expresionismo alemán, concretamente, sobre la corriente artística El Puente.
Estos pintores criticaron la sociedad regida por el trabajo industrial y por el sistema socio-económico de Guillermo II, de forma más directa y clara.
Ellos tomaron el testigo de Munch, ese que afirmaba que sería insincero no mirar más que al lado agradable de la vida.
Se observa mucho en otras de las obras de Munich, que desmaterializa el fondo, dando a entender que desea resaltar más la figura que el fondo, pero más que nada, la situación en la que se encuentra la figura. Por ejemplo, en esta obra, El grito, no es tan importante el lugar ni lo que sucede detrás de la figura, sino la figura misma y, más que nada, su expresión de desesperación. En otra de sus obras, Soledad, también representa el fondo un tanto difuso, pero nunca deja de entenderse qué es. En dicha obra, se encuentra la figura en la playa, sola y muestra, bien a lo lejos, entre ese fondo mitad desmaterializado y mitad no, en un muelle a una pareja que está contrayendo matrimonio. Lo que esto nos dice es que si bien quiere resaltar el estado de la figura principal, ese estado depende de lo que está sucediendo en su entorno (en el fondo).
Munch, se caracterizó por tratar en sus obras los sentimientos y las tragedias humanas. En esta en particular, se dedicó a expresar la angustia y el dolor que sentía por dentro.
En unas notas de 1886 escritas por el autor en Niza, Munch recuerda la situación que daría origen al cuadro:
“Iba caminando con dos amigos por el paseo el sol se ponía - el cielo se volvió de pronto rojo - yo me pare - cansado me apoye en una baranda - sobre la ciudad y el fiordo oscuro azul no veía sino sangre y lenguas de fuego - mis amigos continuaban su marcha y yo seguía detenido en el mismo lugar temblando de miedo - y sentía que un alarido infinito penetraba toda la naturaleza”.
Su fuente de inspiración fue ese día en el que salió a despejarse de la situación trágica que estaba viviendo, que no se aclara en lo citado anteriormente, (su madre y una de sus hermanas murieron siendo él muy joven y a otra de sus hermanas le fue diagnosticada una enfermedad mental), con dos amigos, y por un momento él se separó de sus amigos y pegó un grito muy fuerte y desesperante; entonces decidió volcarlo de manera artística sobre la tabla, aprovechando, así, para descargarse ese dolor interno y poniendo en manifiesto que se encontraba desesperado y necesitado de ayuda.
Por otro lado, el grito que Munch dirige a la ciudad no sólo transmite una angustia personal del pintor sino además una cierta incomprensión y crítica hacia la nueva forma de organización socioeconómica de la época.
No parece muy descabellado considerar que ese grito de incomprensión y desesperación incluyera algo de lo que respiró a lo largo de su vida en Cristiania y más tarde en París, la lucha contra un sistema socioeconómico que no entendía.
Cristiania (la actual Oslo) se consideraba la cuna del movimiento Bohemio noruego, en la época de Munch.
Los bohemios de Cristiania dirigían sus trabajos y sus provocaciones contra la falsa complacencia y contra la estrechez de principios morales y éticos. Consideraban que el sistema estaba envuelto en contradicciones.
No compartían la forma de organizarse de la sociedad y por ello vivían en un clima de represión y Munch no fue ajeno a este movimiento de protesta.
Munch, luchaba por el ideal de una sociedad honesta y vigorosa y defendían la liberación social sometiendo para ello los valores recibidos a una crítica despiadada.
Munch estaba por tanto dentro de esta corriente reivindicativa y hacia finales de los 1890 tenía proyectado un ciclo de cuadros con el tema de la vida Bohemia.
En definitiva, Munch creció en el ambiente Bohemio y al igual que este movimiento criticaba los valores establecidos.
Pero, por otro lado, Eduard Munch pinto el Grito en 1893 en París, sin duda una de las cunas del pensamiento contemporáneo y de las reacciones sociales que siguieron a la Revolución industrial.
La Revolución industrial es un hecho histórico que marca un antes y un después no solo en la historia del pensamiento social y político, sino además, y fundamentalmente, en la forma de organizarnos socio-económicamente como civilización humana.
La sociedad se subordinó a la economía. De alguna forma, una economía de mercado solo podía existir en una sociedad de mercado. Todos los componentes de la economía, incluida la tierra y la mano de obra, se incluyen en ese sistema de mercado y todos los factores de producción son considerados mercancías destinadas a la venta y sujetas al mecanismo de la oferta y demanda.
Resulta interesante leer lo que Munch dice del arte dentro de este nuevo sistema de producción:
“Lo que esta arruinando el arte moderno es el comercio, al exigir que los cuadros se vean bien una vez que se los cuelga en la pared. No se pinta por el deseo de pintar......o con la intención de pintar una historia. Yo que fui a Paris hace siete años (Munch residió en París en 1885) lleno de curiosidad por ver el salón y que estaba dispuesto a dejarme llevar por el entusiasmo –lo que sentí fue sólo repugnancia”
París vivió una época de boicots, sabotajes y huelgas generales contra la clase burguesa y El Grito fue pintado en este clima social. Por lo tanto, considero que para un pintor comprometido con el movimiento Bohemio e identificado con el enfrentamiento contra la clase burguesa la abstracción le hubiera resultado complicada.


Juicio

Desde un punto de vista neutro, demuestra ser una obra de suma importancia, a pesar de haber sido pintada en 1893, en la actualidad sigue teniendo un fuerte peso por su carácter expresionista. También esto de denota por el hecho de que fue robada hace 3 años y recuperada recién el año pasado del museo donde se encontraba.
Por otro lado, esta obra me llamó mucha la atención ya que su autor, Munch, se destacó más que nada por tratar en sus obras los sentimientos y tragedias humanas, y opino que el arte realmente puede apreciarse cuando es evidente que el autor expresa aquello que siente, aquello que vive o vivió. Aprecio mucho más las obras que demuestran tragedias, que aquellas que expresan felicidad porque estas últimas las considero aburridas; en cambio, las otras abarcan una diversidad inmensa de sensaciones y sentimientos; esto lo digo porque pueden presentarse situaciones trágicas en distintas personas pero la manera de enfrentarlas de cada uno siempre va a ser diferente, en cambio, la felicidad, alegría, etc, por lo general, siempre es expresada de maneras similares (cuadros ricos en colores, colores radiantes, cálidos, brillantes, alegres, entre otras). Es muy interesante esa manera particular de expresarse de Munch.
Pero, como nadie ni nada es perfecto, esta obra presenta desde mi criterio algunas imperfecciones, como por ejemplo ese horizonte un tanto difuso no es de mi agrado, por el hecho de que parece que el río es introducido dentro del cielo. Tampoco me parece la mejor manera de pintar el fondo, las pinceladas largas y la cara necesitaría un toque más de luminosidad, para que llame más la atención que el cielo.
En cambio, desde un punto de vista optimista, considero muy equilibrante ese toque de oscuridad de la obra en general, también que el fondo se encuentre representado de manera un tanto difusa para que pueda destacarse más los sentimientos y la expresión de la figura.
Por el lado creativo, es muy interesante como ha sido deformada la figura humana, de modo que parezca más fantasmal y acentúa ese dejo siniestro y de horror de la obra y del autor. También es muy creativa la forma de expresión de la cara, es muy penetrante, podría hasta decir que me transmite una imagen auditiva de la intensidad de ese grito.
En definitiva, Munch aportó mucho a la sociedad y al mundo del arte, tanto en su época como en su posterioridad, inclusive en la actualidad. Alentó a desarrollar de una manera tan particular la expresión de los sentimientos en forma de arte y así a experimentar maneras dentro de todo “sanas” para despejarse uno o más bien para descargarse, se las distintas situaciones que les toca vivir a cada uno. Fue un artista muy original, hizo que se aplicaran conceptos nuevos en al arte (llevó al límite la pintura no objetiva y anteponía sus sentimientos a las propias formas) y también nos enseñó que a la hora de hacer arte, hay que sentirlo realmente y sacarlo desde lo más profundo de nuestro espíritu.

Por Marina San Martín