Impresionismo

Bailarina basculando (bailarina verde) Edgar Degas


Fecha: 1877-1879
Materiales: Pastel y gouache sobre papel
Dimensiones: 64 – 36 cm.



Descripción

Es una obra de arte en la que se pueden reconocer, bailarinas. En el cuadro se puede ver una sola bailarina de cuerpo entero pero esto no quiere decir que se encuentra sola. En la obra también se pueden reconocer que hay mas bailarinas como fuera de escena pero de ellas solo se puede ver un pedazo o de pierna o tutú.

Lo que se podría decir de esta obra es que el artista utilizó la técnica de la capturación del momento. La bailarina esta siendo observada desde un costado del escenario del cual el ballet esta siendo representado.
Una característica del artista es que prefiere pintar objetos, en este caso la bailarina con una luz artificial, como la de un teatro.
Si observamos el tute de la bailarina principal podemos ver que la luz artificial viene del lado izquierdo.
El artista utiliza diferentes tipos de pinceladas como por ejemplo, en el cuerpo, en la vestimenta y en el tutú. Para el tutú el artista utiliza una gama de celestes y para darle mas brillo le pone colores que superponen al de mayor peso. La cara de la bailarina, podemos ver que además del color que utiliza para el cuerpo utiliza también el blanco que da la sensación de cómo si ella estuviese maquillada, en las mejillas utiliza un tono rojo.
Las bailarinas que aparecen atrás no tienen los rasos de expresión tan claros como la que aparece en un primer plano. Sus caras están más bien con sombra como si se encontraran en un segundo plano, detrás del escenario, y los colores que reciben son más opacos, con menos luz que las de adelante. Esto sirve para que resalten más los colores de las polleras y bailarinas que están sobre el escenario.
Otra característica es la utilización del negro, que es vista en el fondo mezclado con el verde. Se puede identificar como un telón o como una parte no iluminada. También se puede ver en los cabellos de las bailarinas, collares y hasta en las polleras, lo utiliza también para remarcar líneas ejemplo: en la cara se puede ver bien como lo usa para marcar las partes de esta, la nariz, la oreja, ojos, etc.

“Bailarina basculando”, es sobre papel con pasteles y gouache, Edgar Degas representa al movimiento impresionista.
Ellos pintaban hechos de la vida cotidiana, frecuentaban bares cafés teatros, etc. También lo hacían al aire libre como Monet, Manet, Renoir, entre otros.
Degas retrató muchas veces a bailarinas en diferentes situaciones, en ensayos, diferentes posturas, y de diferentes maneras.


Análisis formal

En un primer plano aparece una bailarina que es la que se puede ver de cuerpo entero, en movimiento, pero esta es captada velozmente por el artista. Sus posturas de baile dan sensaciones de movimientos repentinos y extremos
La obra no resultó tener un cierto equilibrio porque, en una primera vista lo único a lo que le prestamos atención es a la bailarina que aparece adelante, si bien sabemos que la ubicación del artista no era la mejor… (”Nuestra mirada cae sobre la escena como si la estuviéramos viendo a través de unos prismáticos desde un palco lateral, desde uno de esos palcos que proporcionan vistas privilegiadas del escenario y permiten ver entre bastidores.”…”La utilización de un punto de vista alto y sesgado era un recurso del que se valía el artista para captar a las modelos en posturas inesperadas”…) el ojo capta solamente a la bailarina en movimiento.
En cuanto a las proporciones podemos decir que se respetan porque no se ven características fuera de lo real, respeta las proporciones de ellas, con tamaños reales.

La pintura no presenta un sentido de profundidad. Solamente muestra una parte de una escena en donde una bailarina esta en movimiento, y que atrás se pueden ver a otras bailarinas…”vestidas de naranja en actitud relajada, que
esperan su turno o acaban de terminar su actuación”…
Y utiliza la técnica nombrada anteriormente de capturar el momento.

El tema de la pintura es el de una obra de teatro “ballet”, y los sujetos son las bailarinas. Las relaciones que existen entre estas son que como es una obra de teatro (“ballet”), para bailarlo y o representarlo se necesita de bailarinas. Ellas cumplen la función de dramatizar sus movimientos y la coreografía, para poder expresar los sentimientos de la obra con sus movimientos.


Interpretación

pintura comunica una sensación de expectativa, que esta dada por los movimientos veloces de las bailarinas, sin saber que puede suceder; y por la tensión que esta centrada en las posiciones de las bailarinas.
Le da cierta importancia a algo que ellos consideraban como algo cotidiano, algo de todos los dias.
Esta obra pertenece a la vanguardia impresionista esta…”coloca definitivamente al siglo XIX bajo el signo del paisaje, que busca un lenguaje nuevo basado en un naturalismo extremo”…
“…El acontecimiento decisivo no ocurrió hasta 1869, cuando Renoir y Claude Monet pintaron juntos en La Grenouillère-"ranería" o estanque, en francés, en este caso el principal del Bois de Boulogne-, sin duda el año más importante para el movimiento impresionista. Fue allí donde ambos descubrieron que las sombras no son pardas ni negras, sino coloreadas en su periferia, y que el color local de los objetos queda modificado por la luz que los ilumina, por reflejos de otros objetos y por contrastes de colores yuxtapuestos”...
Los movimientos artísticos que le siguieron fueron: el postimpresionismo (gauguin conocido por el cristo amarrillo), mas tarde el simbolismo (klimt) art nouveau, simbolismo (rosseau, ensor, munch), expresionismo francés ( fauvismo), expresionismo alemán de el puente (kirchner), y el del jinete azul (paul klee, kandinsky).
En todas las obras realizadas por Degas podemos observar que todas contienen el mismo patrón. Captura el momento, o pinta figuras en movimiento por ejemplo bailarinas ensayando, carreras de caballos, pero todas dentro del tema de lo cotidiano.
El propósito de la obra es poder apreciar el arte en movimiento, representándolo muy claramente en situaciones en la que se requiere mucho movimiento.
La luz utilizada es artificial y le da un efecto de presición a las figuras
Esta obra fue pintada entre 1877 y 1879. En este período Degas vivía de lo que pintaba. Su padre había muerto unos años atrás y el se encontró con una gran deuda y tuvo que pagar en parte con su casa.


Juicio

En esta obra lo que se puede destacar es la capacidad que tiene el pintor para capturar el movimiento del momento. Además las figuras cortadas, dejan a la libre imaginación del que esta observando la pintura, el resto de su persona y el movimiento de su paso.
La obra me da la sensación de relajación, aunque la posición parece ser extrema y expectante. Por otro lado el baile produce una tranquilidad interior.
Este clima logrado con tan solo una bailarina se ve fuertemente influenciado por la pincelada y la paleta de colores elegida por el pintor. Además el juego de luces y texturas tienen un rol importante en la interpretación personal.

Por Sofía Mazzinghi

Surrealismo

“La condición humana”
(René Magritte)


Fecha: 1933
Materiales: Óleo sobre lienzo.



Descripción

En la obra se ve una ventana con un paisaje. Delante de la ventana, un lienzo se “camufla” con este paisaje, ya que sigue el dibujo (fondo) sobre el mismo. A amobos lados de las ventana, hay cortinas de color rojo oscuro. Las formas son rectas y definidas, tiene una prolijidad con el uso de los colores y las formas que pareciera hacer situar a la ventana en una casa de buena posición económica. Las líneas son perfectas, geometrizadas, pareciera tener una textura lisa, perfecta. Tiene mucho valor en el cielo del paisaje y en la zona superior a la ventana. Las cortinas, la vegetación del paisaje, las patas del atril, son las zonas más oscuras. Tiene en el paisaje, color celeste, blanco, verdes (distintas tonalidades), amarillo amarronado, y un azul en el horizonte. Las cortinas rojas y bien oscuras y el barral que las sostiene es marrón. La pared es blanca y gris, y todos estos colores están distribuidos en toda la obra. Se nota una profundidad en el paisaje, y cercanía en el marco y la pared. Se nota también un relieve en las cortinas, y gracias a la sombra debajo se nota que hay cierto espacio entre éstas y la pared. Nos damos cuenta que hay un lienzo, porque está como “levantado sobre el paisaje”, y eso se nota mayormente por el grosor del lienzo que nos da junto con una delgada línea, la idea del volumen del cuadro (pintado en la obra). Por otro lado se siguen unos pocos centímetros del paisaje sobre la cortina.
Los materiales son usados de manera plana y con perfección, usa las sombras para darle volumen a los objetos y pareciera que los colores fueran formados primero en la paleta, conseguidos con exactitud y luego volcados sobre la obra, aunque la luz está “mal utilizada” ya que juega con esa diferencia.


Análisis formal

El paisaje en el lienzo es la continuación del que se ve por la ventana , la cual, sobre una pared, tiene una cortina a ambos lados. Está muy equilibrado y se nota una simetría casi perfecta. Vemos un ritmo en la vegetación, las patas del atril, las cortinas, y las nubes. Es una obra proporcionada en cuanto a medidas y tamaños. Tiene un importante punto de énfasis en el paisaje y en el lienzo y atril. Vemos un contraste notable entre el paisaje y las cortinas por su color. Tenemos un patrón repetitivo en las nubes, las patas del atril, y presenta coherencia en el significado. Hasta se puede decir que Magritte quiso reflejar y unir dos “realidades”, como dándoles coherencia. Tiene un sentido de profundidad que expresa con las perspectiva, y por otro lado la diferencia de planos con el paisaje le da profundidad. Dentro del paisaje, distintos árboles y arbustos se superponen. Y vemos gracias a la perspectiva, que el lienzo está delante de la ventana, las patas del atril ayudan a verlo delante. También ayudan a ver el volumen, las sombras de las cortinas y de las patas del atril. Los elementos más enfocados son los que están en el primer plano, como la cortina, las patas del atril, la ventana, etc. y en el fondo los árboles más lejanos, se terminan esfumando, pero no pasa lo mismo con el árbol central, por lo que se puede decir que a medida que la vista es más lejana, se ve más esfumada. Vemos un efecto con el color en el paisaje que lo hace ver más iluminado. Vemos una lógica en el cuadro, pinta algo concreto y que parece real, ya que es algo que podría existir, sólo que la luz está incoherentemente utilizada apropósito.


Interpretación

Magritte pareciera querer expresar cierta libertad y a mi me transmite ganas de pasar por la ventana, por la luz y la naturaleza que muestra. No me parece que transmita encierro porque creo que le da más importancia a la naturaleza, la libertad, que el encierro y a la oscuridad en la civilización. La perfección con la que todo está pintado, todo ese ambiente de claridad pero incoherencia, lo hace pertenecer al surrealismo. Me hace acordad a Mattisse por la ventana que permite ver más allá, pero también tiene una fuerte influencia del dadaísmo por el volver a la simplicidad, burlando lo cotidiano y haciendo arte con lo simple. La obra pareciera dejar para futuro esa simplicidad y perfección. La obra tiene analogías con obras del mismo autor que usa mucho las nubes y la luz en éstas. Los mismo pasa con las obras de Dalí, quién también utiliza el efecto de las nubes en el cielo. Pero mayormente, las obras de Magritte muestran esa diferencia entre el día y la noche, la luz y claridad y la oscuridad y las sombras, la naturaleza y la construcción del humano en ella. Para mí lo que la obra se propone transmitir es paz y belleza, que aquel que la mire se sienta tranquilo al mirar por esa ventana y sentir que en la oscuridad puede haber luz, y que este paisaje se puede reproducir en un cuadro dentro de una casa y llevar la naturaleza a la vida cotidiana. En este momento histórico, se vivía una etapa de recuperación de la primer guerra mundial, los países debían comenzar a fortalecerse nuevamente. La sociedad comenzaba a ver una luz entre la oscuridad, y lo que esta ventana puede representar es esa esperanza de mejora y bienestar. Pareciera un trabajo que expresa salud y buenas oportunidades, que expresa la naturaleza y lo que ésta deja en nosotros y en quienes la ven, el mundo natural que nos rodea pasando esa ventana, y que sin embargo tenemos más cerca sin ser aprovechada. El cuadro de la obra muestra lo que se ve, la realidad, lo bello de esa realidad que podemos reproducir en el lienzo, desde otro lugar (el interior de la casa). El surrealismo surgía como algo nuevo y había distintas expresiones e interpretaciones, maneras distintas de expresar lo bueno o lo malo. El surrealismo no necesariamente es ficción, y precisamente este cuadro refleja algo real y que no tiene por qué ser malo, creo que Magritte se inspiró en cosas buenas, en la naturaleza y una parte fructífera de la sociedad, como es el arte y la razón. Magritte quiere establecer una coherencia entre la realidad y la ficción, lo que vemos y lo que pintamos, lo que no tiene por qué ser distinto, sino que puede ser fiel a nuestra vista según queramos. O sea que en ese momento, en el período entre guerras, el querer ver lo bueno, estaba en “nuestras manos”, podemos ver si queremos, el lado bueno de una crisis que empieza a desaparecer.


Juicio

El surrealismo, que generalmente representa elementos del inconsciente, sueños, “realidades inventadas”, en esta obra muestra elementos verosímiles que pueden ser reales, que son creíbles, y que podrían existir. Por lo tanto, en un mal momento se puede ver el buen lado. Las nubes, la iluminación, el estado de la naturaleza, la perfección de estos elementos y su modo de estar pintado, pareciera querer decirnos que siempre puede haber esperanzas. A mí esta obra me transmite simpatía, claridad, solución, talento. En un primer momento no comprendía lo que eran los bordes del lienzo, pero luego entendí que representaban su volumen, así como la parte superior del mismo, tiene la barra del atril. Me parece que cuesta verlo, ya que no fui la única persona que tardó en notarlo, pero aún así, hubo distintas opiniones entre quienes lo vieron. Luego de notarlo, me pareció que estaba muy bien expresada la idea de la realidad sobre la ficción y de ésta sobre la realidad. Rescato que parece tener buenas intenciones en cuanto al mensaje, ese que da que parece de esperanza y futuro que empieza por el presente. La ventana con luz y la vegetación oscura, nos muestran el contraste de la iluminación, así como la pared de la ventana con las cortinas y los árboles. Magritte juega con éstas luces y eso es lo que lo hace pertenecer a esta vanguardia. El jugar con las luces se puede relacionar también con la idea de ver lo bueno que se puede ver en algo malo, hacer con libertad lo que se puede elegir. A medida que avanzaba el análisis encontraba ideas nuevas que podía sentir el autor, por ejemplo, el hecho de la elección de cómo mirar las cosas. Entonces, puedo concluir que Magritte con las luces y su manera de pintar expresa una oportunidad, una esperanza que se contrasta con la oscuridad y la perdición, y esto se ve reflejado con el juego de luces y los elementos del paisaje. Ver la luz en la oscuridad y en una crisis no es fácil, pero si se quiere, se puede ver más iluminado. Por otro lado, en un primer momento vemos una obra perfecta, pero a medida que avanza el tiempo, descubrimos de a poco elementos erróneos, como la luz que está distribuida con el propósito de que notemos el contraste entre luz y sombra.

Por Belén Ruiz Luque

Impresionismo

“Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte”
(Georges Seurat)


Fecha: 1884-1886
Dimensiones: 207,6 cm. X 308 cm.
Materiales: Óleo sobre lienzo.



Descripción

Es una obra de arte que refleja el paisaje y la vida popular. En el cuadro están representados objetos de la naturaleza como árboles con copas tupidas y verdes, agua cristalina, y animales domésticos (perros).
Este paisaje natural se ve “invadido” por la presencia pacifica de figuras humanas, representadas de acuerdo a la época (1884_1886) en cuanto a vestimenta, peinados, accesorios y costumbres.

En esta obra se ve una ordenación estricta de la pincelada, donde esta es corta, exacta, en pequeños puntos.
Las figuras en ella son mas bien estáticas, y parecería que el artista hubiera tomado una foto mental de un momento determinado captando tanto componentes quietos y neutrales (árboles, agua, cielo con determinadas nubes) como componentes en movimiento (personas caminando, animales, veleros etc.)
La línea que utiliza el artista respeta figuras geométricas, que aplicadas a las personas y cada uno de los componentes les otorga una gran definición. Pero por momentos rompe con el esquema de contornos precisos utilizando una técnica puntillista mas suelta donde los puntos que en un momento estuvieron pegados unos a otros ahora comienzan a esfumarse, a estar mas separados, hasta desaparecer. Esto le otorga de todas formas una forma tradicional pero de manera particular. Este ultimo caso es notable en la manera en que pinta las copas de los árboles, donde deja que la forma de los mismo se “diluya” , manteniendo de todas formas la figura natural de los mismos.
En cuanto al espacio captado por el artista puedo decir que es amplio, general y abarcativo, no se concentra en un objeto en particular como lo haría por ejemplo en un retrato, sino que en el hay una gran cantidad de componentes que entran en juego en la dinámica de la obra.
Respecto de la pincelada es necesario decir que se encuentra ubicada casi con exactitud matemática, es rigurosa y en puntos de colores básicos.
Pienso que esta minuciosidad le da a la obra un brillo propio en cuanto a la luz en el cuadro.
Asimismo es necesario destacar que el lienzo se realizo dentro de un taller y no al aire libre, Seurat elaboro bocetos previos antes de la realización del cuadro.
Incorpora una gama de colores muy viva, que se compensan unos con otros, dando así una especie de equilibro lumínico.

“Una tarde de domingo en la isla de Grande Jatte” es un óleo sobre lienzo donde georges Seurat aprovecha para la misma los postulados impresionistas, depurándolos, y aplicando de manera radical el rigor científico.
“combinando la libertad y las innovaciones impresionistas con el cientificismo positivista de fines del siglo XIX”.
A pesar de su formación clasicista Seurat estaba utilizando métodos pictóricos revolucionarios.
Esta obra como mencione anteriormente muestra a gente parisina en un domingo por la tarde, pero el lienzo fue realizado en un taller y no al aire libre, como lo hacían los impresionistas como Manet, Monet, o Rendir (entre otros), pero debía ser tratado como natural, por lo tanto Seurat resolvió el problema realizando bocetos o apuntes en vivo, a los cuales luego trabajo en su en su taller científicamente.


Análisis formal

Seurat distribuye todo en puntos monocromáticos (además no mezcla colores ni en la paleta o sobre el lienzo) que resumen el color del objeto y el de la luz, recomponiéndose luego en la mirada del espectador.
Esta distribución hace que el resultado final sea equilibrado y armonioso donde los componentes están perfectamente compaginados. Es decir, el efecto de su pincelada se combina equilibradamente con o que se ve. Esto requiere contornos precisos, figuras estáticas, escenas solidas, estables y geométricas en su totalidad, lo cual el artista elabora y mantiene.
En cuanto a las proporciones se puede decir que las respeta, en esta obra no se ven componentes de tamaños colosales que no respeten sus características reales. Es decir, no se ve a un perro más grande que un árbol, o a un niño más alto que un adulto. Son proporciones convencionales.

El tema del cuadro en si mismo no presenta, personalmente, algún rasgo de significación o doble sentido. Creo que simplemente transmite o muestra a personas, miembros de la sociedad, comunes y corrientes, pasando tiempo al aire libre en una tarde de domingo en Paris. Una tarde donde nadie trabaja o debe cumplir determinadas obligaciones o responsabilidades, y es por esto que creo que transmite un sentimiento agradable y tranquilo, lejos de lo conflictivo. Siento que trata de de concentrarse mas en la técnica, realización, y aspecto del cuadro que en el tema, que hasta puede llegar a parecer banal o superficial.


Interpretación

Seurat consideraba que las propuestas impresionistas se estaban agotando en si mismas y que esta innovadora forma de pintar, basada en el divisionismo, era una nueva forma de representación agradable y decorativa.
En sus producciones es un facto común el paisaje y la vida popular, tema central, de “Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte” y creo que además de la originalidad e innovación técnica se encuentra también cierta admiración o preferencia por la pintura realista. Refleja fielmente la naturaleza, presentando una visión más subjetiva del mundo.

Esta obra se halla ubicada en la vanguardia artística del post impresionismo neo impresionismo, que se extiende desde el año 1880 hasta 1910. El post-impresionismo era tanto una extensión del impresionismo como un rechazo a sus limitaciones.
El estilo pictórico de esta vanguardia utiliza colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real.
Dentro de esta vanguardia artística se utiliza el Puntillismo que es un estilo de pintura que consiste en yuxtaposición de puntos de colores puros en vez de pinceladas sobre tela que, mirados a cierta distancia, crean en la retina las combinaciones deseadas.
El post-impresionismo era tanto una extensión del impresionismo como un rechazo a sus limitaciones. Georges Seurat fue uno de los primeros en considerar que las propuestas del Impresionismo se estaban agotando en sí mismas. Este pintor francés a partir de esto inauguro una escuela que combinaba la libertad y las innovaciones impresionistas con la ciencia (ciencia-emoción) dando lugar al puntillismo.
Cabe resaltar que Seurat era un pintor de formación absolutamente clasicista, y que esto influenciara en su obra posterior, compuesta de una gran cantidad de bocetos previos al producto final.
“Un domingo por la tarde en la isla de la Grande Jatte” marca un nuevo lenguaje artístico y planteaa la pintura como una reflexión en profundidad sobre la técnica y sobre los problemas de la representación visual (color, forma.)
Los movimientos artísticos que siguieron, como el cubismo, el expresionismo, el fauvismo, el surrealismo y el futurismo, presentaron características similares a las empleadas por esta vanguardia. Esta obra es otra de las tantas representaciones que demuestras innovación y abren camino a nuevas formas de creación, expresión y realización basadas en la experimentación, ya que Seurat combino dos campos opuestos como lo son el arte y el cientificismo. Esta obra deja una huella de una pintura realista y al mismo tiempo original por la manera en que es realizada en una fusión científica y emocional.

Seurat postula: “El arte es armonía. La armonía es la analogía de los contrarios, y de similares elementos del tono, del color, y de la línea, considerados a través su dominancia y bajo la influencia de la luz en combinaciones alegres, serenas o tristes".
En “Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte” Seurat deja de lado los colores de los tonos marrones y terrosos que utilizaba e incorpora una gama de colores muy viva, al igual que los impresionistas.
Seurat dijo qué la aplicación científica del color era como cualquier otra ley natural, y se condujo a probar esta conjetura, y creo qué con esta obra logro comprobarlo.
La obra siguiente a la en cuestión es “Las modelos” y allí aplica de manera mas minuciosa y estricta los principios el divisionismo por que reduce aun mas el tamaño de lo puntos,, otorgándole al ojo la función de hacer la mezcla.

Seurat ofrecía una propuesta visual radicalmente nueva, definida por un deseo evidente de objetividad y armonía a través de una representación nueva y prolija y la descomposición del color en puntos
Esta obra es precursora ya que marca un antes y un después en la pintura de Georges Seurat, comienza a utilizar una técnica mas laboriosa y exacta que combinaba estudios al natural con sesiones en su taller, poniendo así en practica en lenguaje del Cromoluminarismo (lenguaje artístico basado en su propio sistema de heurística: usando líneas, y esquema e intensidad del color) y expresando también que : “La emoción de la alegría puede ser alcanzada por la dominación de tonalidades luminosas, por el predominio de colores cálidos, y por el uso de las líneas dirigidas hacia arriba. La calma se alcanza a través de un uso equilibrado de la luz y la oscuridad, por el balance entre colores fríos y cálidos, y por líneas horizontales. La tristeza se alcanza utilizando colores oscuros y fríos y líneas que señalan hacia abajo”
Busca aplicar en sus pinturas una y otra vez las nuevas técnicas y descubrimientos que va desarrollando.

Georges Seurat es un parisino que realizo sus estudios en L’ecole des Beaux Arts de Paris , esto significo una formación totalmente clasicista, lo cual no impidió que se convirtieran una figura elemental en la formación de los pintores neo.impresionistas y futuristas.
Como mencione antes fue un pintor obsesionado por la investigación del color y la línea, y por fundamentar de forma científica la creación artística, preocupaciones que plasmó en sus obras Un domingo por la tarde en la isla de la Grande Jatte y El baño en Asniéres (ambas de 1884-86), obras que sorprendieron porque en ellas Seurat ofrecía una propuesta visual radicalmente nueva, definida por un deseo evidente de objetividad y armonía a través de una representación deliberadamente hierática y la descomposición del color en puntos.
Su formación académica influirá en su forma de trabajo, perfeccionista, detallista, y minuciosa, ya que realiza grandes cantidades de bocetos antes de terminar una obra.
Seurat estaba interesado y trabajaba en el acercamiento científico a la emoción y la armonía.


Juicio

Esta obra esta caracterizada por la utilización de la técnica del puntillismo, rasgo particular dentro de la vanguardia Post impresionista que consiste en yuxtaponer puntos de colores puros en vez de pinceladas sobre tela.
También al ofrecer una nueva lectura del color y la línea, se puede ligar a “Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte” con esta vanguardia por que propone un cambio radical y cierto desprendimiento del impresionismo por la forma en que las figuras se vuelven geométricas, como se ordena de manera estricta la pincelada, con precisión matemática. También entra en juego la utilización de la luz, que es casi como autorreguladora ya que resuelve a través de los colores ( no se mezclan) el problema de la luz en el cuadro, la creación de un brillo propio, que se recompone en la retina del espectador.
Además de respetar la técnica propia de esta vanguardia, la obra también trata o versa alrededor de lo que es la vida cotidiana, situaciones reales, y probables, respeta tiempo, espacio, proporciones etc.

por Julieta Saroba

Surrealismo

“La desintegración de la persistencia de la memoria”
(Salvador Dalí)


Fecha: 1952-54
Materiales: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 24 x 33 cm.



Descripción

Identifique los objetos que reconoce. A primera vista puedo reconocer que esta obra guarda relación con una pintura anterior de Dalí llamada “Persistencia de la Memoria” del año 1931. Ahora los objetos en esta continuación están fragmentados, como descomponiéndose, y flotando, sin apoyo. Están ilustrados tres relojes, con un aspecto elástico, como si fueran moldeables. También aparece un animal hibrido de color blanco que resulta casi imposible de reconocer si no se tiene en cuenta el cuadro de “La persistencia de la memoria” como si estuviera desintegrándose hacia el fondo, pasando el suelo fragmentado.
En la parte inferior del cuadro, o lo que vendría a ser la base en el dibujo puedo ver una especie de fondo submarino, donde el color azul, empuja los distintos objetos hacia abajo. Estas cosas con tendencia a “hundirse ” hacia ahí, primero pasan por un piso fragmentado en pequeños rectángulos, que permiten que los objetos continúen su camino hacia el fondo, provoca tal vez una desintegración de una cosa, que luego se vuelve a unir, como sucede con el reloj que esta por debajo de este suelo partido.
Deduzco que esta parte descripta puede ser el una imagen de la vida acuática por la presencia también de un pez. Esta mitad del cuadro se contrapone con la parte superior del mismo, que muestra un paisaje natural de montañas y un mar u océano, pero el dato peculiar de esta parte de la obra, es que parecería que este mar u océano con sus montañas estuviera pintado sobre una tela que esta siendo estirada y enganchada con las ramas de un árbol, como si este paisaje fuera un engaño.
El telón, a su vez corta a otro árbol, que se encuentra en un plano mas acercad a la vista, y este también es un árbol desnudo, con tan solo dos o tres ramas que salen del tronco principal, y de uno de estos brazos cuelga un reloj, que también tiende a caer hacia ese fondo azul que aparenta ser subacuatico.
Creo que el tema principal del cuadro, es un conjunto dinámico de la nueva perspectiva que tenia Dalí sobre la realidad que lo rodeaba.

Forma, línea, textura, luz, valor, color, espacio.
En esta obra lo primero que percibí fue un uso equilibrado y prolijo de los colores, que en complemento y contraste entre oscuros y claros resulta cálido, dando mas la impresión de una imagen digitalizada que de óleo sobre lienzo. Utiliza, grises, negro, azul, amarillo, dorado, marrón etc. Logra uniformidad cromática.
En cuanto a la textura, esta es liviana y limpia, parece como si estuviera coloreada con lápiz con una gran perfección y exactitud.
La forma, esta bien delineada, y marcada con colores oscuros como marrón y negro. La forma de los objetos no es de carácter realista, sino mas bien resultan de una imagen mental traducida al lienzo, que parece caricaturesca o de dibujo animado en sus comienzos. Dalí una mezcla entre la técnica de observación de Da Vinci por medio de la cual observando una pared se podía ver como surgían formas y técnicas de frottage; fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos imágenes en un sola forma o objeto o configuración.
En referencia al espacio, puedo decir que hay una sensación de amplitud que separa a los objetos y podemos verlos a cada uno por separado, sin relacionarlos y al mismo tiempo poder hacerlo, pueden ser o estar ubicados a l azar o no, pero esta manera de localizar los objetos muestra un uso del especio que puede mantener o no una lógica. Es un cuadro de pequeñas dimensiones con muchos lementos.
La luz aparece desde el horizonte del paisaje de la tela en la obra, de un sol que esta saliendo o escondiéndose, y este focote luz es lo que ilumina o no al resto de los objetos.
En si, alcanza una unidad equilibrada a pesar del gran número de elementos que posee. La composición formal del cuadro es la que sigue en casi todas sus obras surrealistas, esto es, un ambiente infinito con un horizonte difuso en el que se acomodan los numerosos elementos que forman la unidad de la obra

Dalí nos "aclara": "...lo practico con éxito aunque no sepa hasta ahora muy bien en qué consiste exactamente. En términos generales, se trata de la sistematización más rigurosa de los fenómenos y materiales más delirantes, con la intención de hacer tangiblemente creadoras mis ideas más obsesivamente peligrosas. Este método no funciona si no se posee un motor blando de origen divino, un núcleo viviente, una Gala - y sólo hay una.".

-Interpretación de la realidad desde el sueño (automatismo psíquico)
-Los objetos y formas son despejados de su significación tradicional (principio de la "desorientación"), el observador queda desorientado, sin saber a qué atenerse, Utilización espectacular de la perspectiva cónica, exagerando la sensación de profundidad (creación de grandes espacios y lejanías)
-Creación en el cuadro de juegos perceptivos e ilusorios
- Ejecución pictórica minuciosa, con gran cuidado del dibujo y la figura
-Utilización del claroscuro y del color modelado
-Invención de nuevos métodos y ténicas: pintura automática, frottage y grattage.


Análisis formal

El trabajo esta planteado como una concepción atómica del mundo y esto significo que una gran parte del cuadro (la inferior) este fragmentada en unas supuestas partículas, lo que genera una continuidad y una base con ritmo en este sector del cuadro.
En determinado momento, estos átomos o partículas comienzan a ser absorbidos por el centro del cuadro, lo que da un cierto sentido de profundidad. Esta perspectiva o amplitud de lo abarcativo en esta obra, también esta presente en el gran paisaje de fondo, donde la lejanía y la amplitud son los principales factores determinantes en la variedad de proporciones y variedad de elementos en la obra de Dalí. El uso de la luz, determina en eje de simetría del cuadro, su centro, que esta iluminado, en contraste al resto de los sectores oscuros del cuadro.

Las relaciones que encuentro entre sujeto tema, esta principalmente en que “la desintegración de la persistencia de la memoria” es Ilustración de la concepción atómica del mundo, y esto se ve en la fragmentación en pequeños cubos que se hace del suelo. Además, los relojes blandos, que simbolizan al tiempo, no están apoyados sobre una base firme, sino que flotan en el espacio. Uno de ellos se encuentra bajo este piso atómico escapando a todo control, como si el tiempo se sometiera a esta nueva era atómica.


Interpretación

Creo que Dalí siempre expreso en sus obras su compulsivo mundo emocional, a lo que le temía, percibía, experimentaba, observaba etc. En esta obra de perspectivas lejanas de paisajes marinos, claros y luminosos, y elementos poco relacionados entre sí, expresa sus ideas respecto a un descubrimiento que marcaría un antes y un después en la forma en que se manejaba el mundo, e incluso los países en sus relaciones internacionales, antes del descubrimiento de la fisión de la materia . “Empleó estéticamente las experiencias visionarias, las reinterpretaciones de la memoria y las deformaciones psicológicas y hasta patológicas que, trasladadas a la pintura, cobraron nuevo sentido.”
Esta obra pertenece a la vanguardia artística del surrealismo, a la que perteneció Salvador Dalí, principalmente porque logra no objetivizar la realidad sino que forma un todo con ella.
Esta obra al igual que muchas otras se ve influenciada por el Renacimiento, reflejado en la perfeccion academica de los objetos, dibujados de manera muy tradicional. Toca todos los estilos: clásico, barroco, ingenuismo, futurismo.
Creo que en si, ofrece un legado a futuro en cuanto al concepto y su contenido mas que al aspecto formal del cuadro. La forma en que Dalí logra expresar sus puntos de vista y sus sensaciones es lo trascendental, y eso se ve en esta obra.
La obra surrealista, y mas específicamente la de Dalí dan lugar a un sin fin de analogías e interpretaciones, sobre la conjunción de imágenes dispares (reales o irreales), tanto en el tiempo como en el espacio o de imágenes equívocas de manera que una misma cosa puede ser interpretada de varias manera (una nube puede parecer la cabeza de un animal o bien otra cosa) y esto genera que se preste atención a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la destrucción y lo misterioso. Como mencioné anteriormente, elementos bien claros en cuanto a este aspecto en el cuadro, son los cubos fragmentados y ubicados ordenadamente como significación del átomo y la fisión nuclear, o los relojes refiriéndose al paso del tiempo desde la incomprensión o lo inevitable. “La desintegración de la persistencia de la memoria” es la continuación o la nueva visión de Dalí con respecto a una obra anterior: “La persistencia de la memoria”., “Pareciera que manipulando el medio de control del tiempo lo estuviera doblegando, como si uno pudiera escapar al paso del tiempo sólo por desfigurar sus instrumentos de medición…Se observa también un rostro híbrido que semeja parte pájaro parte ser humano, el cual encima tiene uno de estos relojes doblegados, como si no pudiera librarse de este medio de control. A la izquierda se observa un reloj cerrado y encima de éste partículas que podrían representar restos de podredumbre. “
Creo que el propósito principal de esta obra es hacer alusión a las ideas místicas y científicas que consideraba Dalí.

Por Julieta Saroba

Grupo Boedo

(Xilografía Sín título)
Adolfo Bellocq


Técnica: Xilografía
Fecha: Posiblemente entre los años 1917-1929


Descripción

Esta obra de Bellocq es de un amplio contenido. A primera vista uno puede observar fácilmente a una mujer desnuda que sujeta levemente a un águila, y al fondo unas montañas. Si uno se detiene a observar más detalladamente, encontrará unas figuras oscuras de aborígenes, algunos de pie y otros sentados; a los pies de la mujer un remolino de agua, y a la altura de sus rodillas un pescado que se camufla en las aguas. Incluso encontrará a un perro en el margen inferior izquierdo, el cual está siendo acariciado por un aborigen o el cual está siendo ofrecido por el mismo un palo o algo por el estilo.
La obra contiene muchos detalles pero que no pueden visualizarse demasiado, sea porque carecen de color o no estamos acostumbrados a ellos porque normalmente no los vemos, como en el caso de ese objeto que parece ser un SIKU (instrumento característico de nuestros aborígenes) en el margen superior izquierdo.
Si nos adentramos en lo que son las calidades sensibles de esta obra, en cuanto a las líneas en general, estas son más que nada rectas si nos ponemos a apreciar los cortes de las montañas, los rasgos duros de los aborígenes, sus bastones, etc. Las líneas son curvas por sobre todo en la mujer desnuda y los animales (perro, águila, pescados). No hay mucho detalle en las distintas formas. Todo es muy limpio, como si no se le hubiera puesto verdadero énfasis en la figura en sí, sino en realidad a lo que la obra en su totalidad quiere expresar, un significado que se encuentra entre todo lo que compone a esta xilografía.
En cuanto a la iluminación, donde hay más cantidad de luz es en la mujer. Luego se utiliza una línea de contraste blanca, diferenciándose del post-impresionismo cuyas líneas de contorno eran negras, y muestran la luz y profundidad en las figuras. Por ejemplo, en los pies aborígenes, en todo su cuerpo, se puede observar esa delimitación de blancura, de luz.
Se utiliza la superposición de planos. Uno puede distinguir que el perro se encuentra delante del aborigen, que a su vez éste se encuentra delante de la mujer, y ésta de las montañas y el paisaje andino del fondo.
Las proporciones de los aborígenes son reales, así como los de la mujer, aunque estos de alguna forma parecen caricaturizados, son demasiado limpios, perfectos. En cuanto a la escala de los humanos en proporción al paisaje, es real, y las montañas, por ejemplo, se van haciendo más pequeñas a medida que se van alejando; aunque es confusa la forma en que interactúa la mujer con el agua, se mezcla, inmiscuye con ella.
Esta obra probablemente conste de cierto relieve, ya que debido a la prensa entre la madera tallada y el papel elegido, se efectuará cierta presión que hundirá en determinadas partes de la obra al papel; pero esto no podrá notarse con una simple copia de la obra, sino tocando el grabado original.
Y esto nos conduce a las cualidades técnicas de la obra de Bellocq. Como ya mencioné antes, la técnica que se utilizó es la XILOGRAFÍA.
La xilografía es una técnica de impresión basada en una plancha de madera cortada a fibra, la cual se talla a mano con un cincel o buril. Obtenido el dibujo o el texto, se impregna con tinta y se lo presiona contra un soporto (en este caso, papel seda) y así se obtiene la impresión del relieve.


Análisis Formal

Hay muchos objetos en esta obra; varias personas, plantas, animales, agua, montañas, cielo. Si bien es una obra bastante cargada, tiene equilibrio.
La mujer, desnuda y blanca, se encuentra en el centro, esbelta, y ella es el punto central de la obra, el eje simétrico. Si uno dividiera en dos esta xilografía, encontraría equilibrio en ambas partes, los pesos proporcionados.
El punto de fuga se encuentra allí donde se unen las montañas por ambos lados, detrás de la joven, creando una perspectiva, además de la superposición de planos anteriormente nombrada.
Se crean ciertos patrones repetitivos, como por ejemplo en las montañas, si observamos los pies de las primeras dos de la derecha, o esos límites cortantes de las montañas del sector izquierdo.
Otro patrón que se repite es el de los rostros de los tres aborígenes de la derecha, sorprendentemente son prácticamente iguales.
En cuanto al movimiento, éste más que nada se encuentra y es creado por aquellas aguas a los pies de la mujer, que se arremolinan, así como en el cielo hay un juego de luz y sombras que parecen ser el viento, el movimiento de las nubes.
Todo lo demás parece ser bastante estático, como las posturas de los aborígenes, algo rígidos, exceptuando los cabellos de la mujer. Estos inspiran movimiento al ser volados por el viento.
Al ser esta obra únicamente blanca y negra, se crean fuertes contrastes en las figuras. Por ejemplo, el rostro de la mujer y aquella sombra que se extiende en su mejilla para marcarle más los rasgos y los gestos. Las líneas blancas de contraste se encuentran en los contornos de todas las figuras (no la de la mujer; en los sectores de luminosidad, las líneas de contraste son negras; en las partes oscuras, como cuando el pescado la intercepta, las líneas son blancas).
Por último, se puede decir que el elemento más enfocado es la mujer desnuda, mientras que el agua que la rodea se encuentra más esfumada, así como las montañas más lejanas.


Interpretación

Si uno observa la obra por primera vez, lo primero que nos llama la atención es la mujer desnuda que sostiene sutilmente al águila. Luego, comienza a observar lo que la rodea. Aborígenes a los costados, un paisaje andino por detrás, un lago o río que la rodea y a abraza.
¿Qué puede significar todo esto?
Los aborígenes, sentados, de pie, observan a la mujer casi ceremoniosamente, como postrándose ante ella, demostrándole su respeto. Ellos oscuros, como el paisaje que los rodea, como si fueran parte misma de la tierra. Y ella blanca, esbelta, envuelta en toda esa naturaleza, las aguas y los peces a sus pies, los vientos que se arremolinan. Y su cuerpo desnudo, son grandes pechos, símbolo de la fertilidad. Todo ese clima, ese contexto, toda esa escena nos indica probablemente que es mujer es la PACHAMAMA, la “madre Tierra”, representada con el cuerpo de una mujer. Y por eso los aborígenes están allí como postrándose, porque le están rindiendo su respeto a la tierra.
Por eso encontramos peces en sus pies, el agua que la rodea a la altura del abdomen, los cabellos que se vuelan con el viento. Porque ella es el conjunto de todo eso.
Y ella pareciera estar hablándole al águila, comunicándole un mensaje que deberá propagar a todos los seres.

Encontré un libro interesante, donde hallé una cita que es bastante adecuado a esta obra:

“Enseñar a nuestros hijos lo que les hemos enseñado a nuestros hijos: que la tierra es nuestra madre. Todo lo que afecta a la tierra afecta a los hijos de la tierra. Si los hombres escupen el suelo, se escupen a sí mismos.

Esto sabemos: la tierra no pertenece al hombre, el hombre pertenece a la tierra.

Esto sabemos: todas las cosas están ligadas como la sangre que unifica a una familia. Todas las cosas están empalmadas.

Lo que le pasa a la tierra recaerá sobre los hijos de la tierra. El hombre no tejió la trama de la vida: es apenas una hebra de ella. Todo lo que le haga al tejido, se lo hará a sí mismo.”

CARTAS POR LA TIERRA- MENSAJE DEL CACIQUE
SEATTLE, PÁG. 43.
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Adolfo Bellocq, nacido en 1899 en Buenos Aires y fallecido en 1972, se destaca como grabador. Perteneciendo al Grupo Boedo, en sus obras predominan temas históricos, realistas de actualidad y alegorías, combinados con elementos fantásticos. Muestra en sus grabados su posición ideológica.
En muchas xilografías trata temas americanistas, como en la obra que estoy analizando. Grabados de aborígenes, gauchos, y probablemente nos esté intentando transmitir algo. Quizás el no olvidar lo que es originario y original de América, cosas que no debemos olvidar ni reemplazar por lo que es de afuera, lo extranjero.
Y quizás eso nos intenta transmitir en esta obra, a nosotras con nuestras costumbres europeas: el respeto a la tierra que nos fue entregada con todo lo que la compone.


Juicio

Si nos ponemos a analizar el contexto en el que se encontraba Bellocq, si observamos que éste nació cuando ensayistas como José Martí escribían sus grandes ensayos como “Nuestra América”, y que Bellocq pudo perfectamente criarse y nutrirse de ellos, no es descabellado que el mismo realizara estos grabados con temas tan particulares, como lo es el de la obra que he analizado.
El paisaje andino característico de nuestro país y América, los aborígenes, la pachamama, temas ocultos e ignorados por muchos de los que componían nuestro país es esa época, y aún lo componen; tratados por Adolfo Bellocq, realizando al fin y al cabo, una crítica a la sociedad.
Este grabado es una obra sobria en el sentido de que carece de color justamente por la técnica en la que está realizado, pero verdaderamente, a pesar de esto, no deja de expresar y transmitir mensajes de enseñanza para un pueblo.
Es una obra completa, que requiere de cierto análisis y observación, casi como en el surrealismo, y también como éste, deja al espectador una libre interpretación de lo que está grabado en el papel. Verdaderamente, nada de lo que compone esta obra parece estar de más.

Por Luz Olivares

Fauvismo

Retrato de una mujer (Jeanne Hébuterne) de sombrero largo
(Amadeo Modigliani)


Fecha: 1918

Materiales: Óleo sobre lienzo



Descripción

Se puede observar en esta obra una mujer con un vestido negro y un sombrero del mismo color, cuyos dedos están apoyados en el mentón.
Se presenta mucho dinamismo ya que la mayor parte de todas las líneas son curvas. La única línea verdaderamente recta es la de la pared en la que hay un quiebre de color; de colores cálidos (naranja ladrillo) y colores fríos (negro, gris).
La figura humana no es proporcionada, sino deformada (característica que se destaca en Modigliani).
Puede observarse que ella está sentada o apoyada sobre una pared, por lo tanto existe una superposición de planos ya que uno puede notar que ella se encuentra delante de la pared, que por momentos se ve más oscura.
Se aprecian colores cálidos en la piel de la mujer, en la pared, y en el lado interior del sombrero; y colores fríos en el sombrero, el cabello de la mujer y su vestido, y en el otro sector de pared.
En cuanto a los valores de luz, se puede observar claramente que el sector con mayor luminosidad en el cuadro se encuentra en el rostro de la mujer, y el sector más oscuro en el sombrero.
La obra no parece denotar relieve, más bien parece lavado, con pinceladas largas y rápidas, porque por lo que se puede ver el lienzo no está del todo cubierto ya que hay espacios blancos, pequeños, pero blancos al fin; por esto se puede entender que alejándose del arte académico y la perfección y de la fusión perfecta de los colores, el expresionismo es breve y más “imperfecto”.
Modigliani utiliza la técnica de óleo sobre lienzo, las pinceladas como ya dije, son alargadas y no demasiado cargadas de material. Algo que caracteriza a este pintor es la deformación exagerada del cuerpo humano, como el cuello, las manos, la nariz, los hombros.


Análisis Formal

En esta obra no se puede encontrar un equilibrio o simetrías verdaderas ya que las líneas con bastante onduladas para como en realidad deberían ser; pareciera como si Modigliani utilizara un uso arbitrario de las formas. Lo que sí, se puede encontrar equilibro en los colores ya que estos se repiten en la obra constantemente, exceptuando el color de ojos de la mujer que es el único que no se ve en ningún otro sector de la pintura. Las líneas presentan dinamismo ya que son curvas y esto llama la atención del espectador. Al ser curva y alargada la figura humana, ésta no presenta ningún tipo de proporción real. Por ejemplo, se puede ver claramente en la nariz de la mujer, que es demasiado larga y fina en comparación con el rostro. Lo mismo sucede con el cuello, hombros y manos, no corresponden a un cuerpo proporcionado.
No hay verdaderamente un uso de perspectiva demasiado exclusivo. A lo sumo se presenta una mínima superposición de planos, ya que como antes mencioné, la mujer se encuentra delante de la pared o el respaldo que se encuentra atrás.
Modigliani usa las sombras especialmente en el cuerpo de la mujer, en su rostro, la pera, las manos y dedos y un poco en los hombros. El ala interna del sombrero es más oscura que los bordes, demostrando la oscuridad y profundidad del mismo.
Los colores que utiliza son apenas más oscuros que los colores que utiliza en las zonas luminosas.
Un punto de énfasis importante, en mi opinión, son los ojos ya que estos se distinguen por un color celeste que no se repite en la obra.
En cuanto a lo obra en su totalidad, no hay demasiado detalle, el fondo es simple y la figura también lo es. El vestido es sencillo, así como el sombrero y el peinado de la mujer. Los trazos más finos se encuentran en la boca, los labios. Los ojos son los más extraños porque carecen de los detalles de un ojo normal; éstos son únicamente celestes, de color cielo.
Justamente al ser una obra de figura y fondo simples, la obra parece tener coherencia en su totalidad. Los colores no son arbitrarios, y lo que intenta expresar la obra no parece ser extravagante, ni lo son sus colores.


Interpretación

En esta obras se pueden apreciar mucho los colores oscuros y fríos como el negro, que usados en la vestimenta de la mujer podría transmitir que la misma se encuentra de duelo (ya que es costumbre vestir de negro frente a una pérdida).
Sin embargo el rostro, los ojos como en blanco, inexpresivos, la mano de la mujer en el mentón y una leve inclinación de la cabeza parecieran decirnos que esta mujer está pensando, soñando, “volando” en algún otro lugar de su imaginación.
Los colores mantienen cierto orden y no son agresivos a la vista. La figura alargada, los colores cálidos, logran que la obra sea tranquila a los ojos del espectador, expresando cierta calma e incluso cierta gracia. Si bien las proporciones humanas que utiliza no son las adecuadas, éstas son agradables, no producen un efecto chocante en el espectador.
Pero tampoco podría decirse que las sensaciones que transmite son del todo positivas. Si bien la mujer parece estar pensando, también parecería estar eligiendo o recordando algo, lo cual nos llega con un sentimiento de melancolía, duda, pero sin apuros.
Difiriendo de la vanguardia que se encontraba en París, el Fauvismo, Modigliani crea su propia vía artística. Él no abusa de la arbitrariedad de los colores como los fauvistas, peor en cambio, se lo reconoce por sus figuras deformadas, audaces, estilizadas y de líneas puras, que retrata innumerables veces.
Quizás esta característica es una continuación del Modernismo de Klimt, o se basa en él; ya que Klimt en algunas de sus obras usa cambios de perspectiva y proporción en sus modelos. Un claro ejemplo es el retrato de Dánae, en el que el muslo de la mujer parece ser mucho más grande en proporción a su cuerpo.
O quizás del Simbolismo, Munich, y la falta de proporción corporal en los rostros.
De todas formas, ninguno de los anteriores artistas pone tanto énfasis en la deformación de los cuerpos humanos como lo hace Modigliani, algo que se distingue notoriamente en este retrato de la mujer del sombrero.
En cuanto al legado a futuro que esta obra propone, no puede decirse mucho. Podríamos llegar a vincular la calma y la estilización con la que están pintados los caballos en el grupo “El Jinete Azul” del Expresionismo Alemán, con los rasgos estilizados de las figuras humanas de Modigliani y la calma que ellos transmiten. De todas formas, no hay nada demasiado claro o visible que se destaque para mencionar.
Si bien esta obra es una de las tantas de la serie de Jeanne Hébuterne (pareja de Modigliani, que luego de la muerte del pintor, ella se suicidaría estando embarazada), todos tienen varios elementos en común y similitudes.
Por ejemplo, yo seleccioné otro retrato de Jeanne Hébuterne del mismo año, 1918.
La mujer en ambos retratos tiene la característica de tener en especial el cuello y la nariz alargados, estilizados.
Para poder distinguir mejor ambas obras, llamaré mejor a la obra anteriormente analizada (1) y a la próxima a analizar (2).
En (2), distinguiéndose de (1), en el fondo predominan los colores fríos. Si bien en (1) había utilizado Modigliani bastante los colores fríos en el fondo, no lo hizo tanto como en la otra, ni estos colores eran tan brillantes como los de (2).
En ambos se utilizan colores cálidos en el rostro de la mujer, la piel y los labios; el negro en ciertas partes del cabello.
Una de las diferencias también es la simetría. Si bien en (2) el rostro de la mujer no es completamente simétrico, podemos encontrar cierto equilibrio, no en el cuello, pero sí en el rostro y en los hombros, a diferencia de (1).
Los ojos de Jeanne son expresivos en (2), mientras que en (1) los ojos son como huecos y celestes. (Esto nos indica que el artista algo quiso expresar; posiblemente cierto estado anímico de su esposa por el que estuviera pasando).
Por último, en ambos retratos puede observarse esa técnica lavada característica de Modigliani. Es sabido que su rapidez de ejecución lo hizo famoso. Él no retocaba sus cuadros, y esto se puede observar claramente en ambas obras, en aquellos pequeños espacios en blanco donde se ve el lienzo que no está cubierto por pintura.
No con demasiado análisis puede uno darse cuenta de que el autor de ambos retratos es el mismo. Detalles pequeños como la delicadeza de los labios y las cejas delgadas, también lo revelan. Así como la ya tan mencionada característica de la estilización del cuerpo.

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Leve biografía (Modigliani [1898-1920] y Jeanne Hébuterne)

Jeanne Hébuterne es presentada por un escultor ruso, Chana Orloffa, a Amedeo Modigliani, y comienzan una relación amorosa. Cuando la familia de Jeanne se entera de esta relación con el artista (considerado un depravado), le cortan su asignación económica.
Para 1917, Modigliani comienza a mostrar síntomas de enfermedad. Por esto mismo, ambos se trasladarán a Niza, donde dará luz Hébuterne a una hija en 1919. Luego, en este mismo año, volverán a París, pero él con la salud aún más deteriorada. Tras un largo período en el que los vecinos no sabían nada de él, le encuentran delirando en la cama a la vez que sostenía la mano de Jeanne embarazada de casi nueve meses (2do. embarazo). Lo único que puede hacer el médico es atestiguar que su estado es desesperado. Amedeo muere de meningitis tuberculosa el 24 de enero de 1920.
Jeanne Hébuterne, llevada a casa de sus padres, se suicida tirándose de un quinto piso, dos días después de la muerte de Modigliani, muriendo también así su bebé.
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Sabiendo entonces que ambos se conocieron en 1917, quizás en su cuadro de Jeanne con el sombrero quiso expresar en la postura y los ojos de la mujer la duda, la tristeza de tener que elegir entre sus padres y su amor.
O quizás, estando ésta con sombrero y vestido negro, el cambio de la adolescencia a la vida adulta, ya que para ese entonces Jeanne estaría embarazada por primera vez.


Juicio

Puedo determinar que Amedeo Modigliani -influido en principio por Touluse-Lautrec, inspirado en Cézanne y el cubismo de Picasso, y en mi opinión personal, influenciado por algunas características del modernismo de Klimt -obtuvo resultados nuevos y vanguardistas. Esto además, podría ser demostrado y comprobado con las numerosas clausuras de sus exposiciones. Con sus pinceladas alargadas y lavadas, su rapidez de ejecución y la deformación exagerada de los cuerpos, logró la indignación de mucha gente que incluso llegó a llamarlo al pintor: “INDECENTE”. Pero como todo vanguardista sería renombrado luego entre los pintores y los críticos. Ya en su funeral asistieron varios personajes importantes que demostraron respeto por el pintor y sus obras.
Es comprensible que muchos no comprendieran su arte, ya que incluso observándolo de cerca uno puede ver algunas imperfecciones como el blanco del lienzo. En mi opinión, no es un detalle que fastidie a mis ojos, e incluso creo que esta característica me enseña de forma directa la personalidad de Modigliani, su esencia. Lo ágil. El apreciar lo que hay, lo que es, el resultado de lo que quedó, con sus imperfecciones.
La obra es agradable, suave, y las líneas curvas no provocan tensión. La vista descansa en los colores que no son llamativos. En su totalidad, la obra transmite sensaciones pacíficas. La mujer me hace llegar sentimientos de nostalgia, melancolía, duda, pero jamás irritantes ni de enojo o exaltación.
Opino que es una obra completa aunque el vacío de los ojos es inquietante en cierta medida.
Es muy interesante poder ver a Jeanne a través de los ojos de su marido.
Para finalizar, esta obra junto con toda la serie de cuadros de Modigliani, demuestran la habilidad de un pintor que creó su propia vía artística y no se envolvió en la vanguardia que en ese entonces estaba de moda, el expresionismo, aunque la respetó y se nutrió del arte de los demás.
El Retrato de Jeanne Hébuterne le hace honor al plasmar prácticamente todas las características creativas y vanguardistas de su autor.

Por Luz Olivares

Modernismo

CIUDADANO KANE
(Orson Welles)


Director: Orson Welles
Año de Producción: 1941
Guión Orson Welles y Herman J. Mankiewicz
Duración 119 min.
Intérpretes Principales: Orson Welles, Joseph Cotton y Dorothy Commingore.
Nacionalidad: Estados Unidos.
Banda de sonido: Bernard Herrmann


Observación y Análisis

Esta película expresa quizás cómo, a pesar del poder, de una posición económica elevada, del dinero, el ser humano siempre termina volviendo a sus raíces, recordando su pasado y tiempos de inocencia quizás como los momentos más significativos de su vida.
El argumento trata de cómo un periodista comienza a investigar la vida de Charles Foster Kane (uno de los hombres más ricos del mundo, poseedor de una gran cadena de periódicos) a través de testimonios de gente cercana al multimillonario y de documentos archivados, para poder así llegar a descifrar el significado de sus últimas palabras antes de morir: “Rosebud”.
El Ciudadano Kane está considerado el film inaugural del cine moderno, y recibe herencias del expresionismo alemán en cuanto a la iluminación y la fotografía. Esta película, considerada como una de las obras maestras del cine del siglo XX, es de género dramático.
Ella reúne muchísimos recursos y efectos. Por ejemplo, el efecto grúa, en la escena en que nos presentan “El Rancho” donde reside Susan Alexander Kane. La grúa traspasa el cartel de la hostería y se acerca cada vez más al vidrio del techo del lugar donde se encuentra Susan bebiendo.
Luego, el efecto de fundido de tomas se encuentra todo a lo largo de la película. Un ejemplo, es al principio, cuando se muestra Xanadú en penumbra, y se van fundiendo imágenes del palacio en otras imágenes. Otro es cuando Jedediah Leland, amigo de Kane, cuenta cómo las cosas comenzaron a ponerse feas en el matrimonio de Charles, y entonces van mostrando los desayunos que la pareja va teniendo a lo largo de los años. Cuando termina esta escena, la imagen se va fundiendo lentamente y aparece la figura de Jedediah viejo, sentado en el hospital. Por un momento, ambas imágenes se fusionan y pareciera que están todos, Kane y su mujer y Jedediah en la misma habitación.
En esta misma escena del desayuno del matrimonio Kane, se utiliza otro recurso, en el que se acelera una grabación, mucho, a tal punto que ya no se distingue nada por la velocidad en la que corre. Esto lo usan para demostrar el paso del tiempo.
En cuanto a la iluminación, utilizan muchas ventanas en el techo y transversales, que iluminan sólo una parte de la habitación, sólo lo que se quiere, dejando lo demás en penumbra; así es como muchas veces no se ven más que las siluetas de las personas, como por ejemplo, en la Oficina Thatcher, donde el periodista va a leer la parte del diario del banquero que se refería a Charles Foster Kane para intentar averiguar el significado de Rosebud, en la sala donde se sienta a leer hay una sola ventana que ilumina la sala y se encuentra en el techo, y el rayo de luz, da únicamente a la mesa; todo lo que no se encuentre en esa mesa se le ve únicamente la silueta.
Algo muy inusual para ese entonces era el uso de la escenografía techada. Antiguamente solo se ensamblaban dos paredes sin techo y jamás se filmaba en ángulo supina. En esto se diferencia Ciudadano Kane.
También se utilizaron mucho los flashbacks, y la historia en sí no es contada cronológicamente, si pensamos que la película comienza con la muerte de Kane.
Otro recurso es el de los reflejos y los espejos; éstos pueden llegar a pasar desapercibidos, pero se utilizan incontables veces. Ejemplo: Jed Leland reflejándose en el vidrio del auto, el Sr. Bernstein reflejándose en el vidrio de la mesa de su oficina, las mujeres y Charles bailando reflejándose en la ventana mientras el Sr. Bernstein y Leland hablan sentados en la mesa, Kane reflejándose en los dos espejos del pasillo de su palacio, creando así muchísimos reflejos de sí mismo, entre otros.


En la película, en la que se va narrando la vida de Kane, se mencionan sutilmente situaciones que podrían ubicarnos en el contexto que se encuentra. Por ejemplo, en la primera parte de la película donde podemos ver el noticiero que narra a grandes rasgos la vida y muerte de Kane, se dice en un momento que el mismo apoyó la inclusión de EEUU en la 1ra. Guerra Mundial, y que hizo lo contrario con la 2da. Guerra Mundial. De la misma forma se nos hace mención del cierre de algunos diarios que tuvo que clausurar el millonario debido a la gran depresión del 29’.
Podemos observar a una sociedad americana con miedo. A todo lo que fuera distinto se lo acusaba de “¡Anarquista!”, “¡Socialista!”. Incluso a Kane se lo acusó un par de veces de anarquista. Una sociedad que le daba exclusiva importancia al poder de los diarios y la comunicación. Una sociedad que se juntaba en masas con fines políticos.
Y en ese contexto aparece la figura de Kane, un hombre poderoso dueño de un diario que comenzó siendo insignificante, fue adquiriendo gran importancia en las masas populares y terminó perdiendo credibilidad debido a deformaciones de la verdad o mentiras (como en las críticas acerca del canto de Susan Alexander Kane -la 2da. Mujer de Charles Foster-, que le siguieron a la primera crítica que fue la única fiel a los hechos).
Y en este diario aparecen las figuras del Sr. Bernstein, el administrador general del diario y de Kane, y el “mejor amigo”, Jedediah Leland. Ambos lo acompañaron en la inauguración del nuevo dueño del Inquirer y a lo largo de los años.
El Sr. Bernstein se caracterizó por su fidelidad y lealtad hacia Kane, sin cuestionarle jamás nada en vida. Jed Leland, el amigo, fue varias veces franco y hasta cruel con su amigo, refregándole por momentos la verdad que Kane se negaba a ver.
Con el paso del tiempo, el diario The Inquirer publicó los dos casamientos de su director. El primero, con Emily Monroe Norton, la sobrina del presidente de EEUU; y el segundo con la “cantante” Susan Alexander.
La primera, una mujer fina perteneciente a una alta clase social, se divorció al hacerse público el romance que tenía Kane con Susan Alexander. De todas formas, ya se notaba cierto distanciamiento entre la pareja ya que en primer lugar, Charles pasaba demasiado tiempo fuera de casa en el diario (en el diario, y probablemente, en la casa de Susan); y en segundo lugar, Charles atacaba varias veces al presidente de la nación en las publicaciones, siendo éste mismo el tío de su mujer. Esto provocaría distanciamiento y frialdad entre los dos, haciendo que incluso Emily no leyera más el diario de su marido y comprara el Chronicle, la competencia del Inquirer.
La figura de Susan Alexander es casi tragi-cómica. Aparece en la vida de Kane casi por casualidad, y lo importante es que nació de ella el acercarse a él, no viceversa. Esto nos define mucho la personalidad de Charlie. Espera demasiado de los demás, quiere obtener el amor, el afecto y el aprecio de todos, mientras que él en realidad no da nada. El dinero, los objetos materiales, nada significan para él; podrá dar mucho de esto a los demás, pero nada de lo que en realidad le importa.
Y así es como crea una opera house (la cual se inauguraría con el canto de Susan Alexander, sometiéndola a la humillación y a críticas severas que se burlaban de su canto y actuación) y el palacio Xanadú americano; son inmensos proyectos, muchísimo dinero, pero poco le importarán realmente al millonario.
Tal es como en el momento de su muerte, sus últimas palabras son “Rosebud”, que es a fin y al cabo el trineo con el que jugaba de chiquito y con el que había pegado al banquero Thatcher cuando estaba apunto de separarlo de sus padres; no fueron “Emily”, ni “Jr” (su hijo muerto), ni Susan, ni Xanadú, ni Inquirer. Todas aquellas posesiones no significan nada para él en sus últimos momentos de vida, sólo recuerda aquellos momentos en que aún vivía con su madre y jugaba tranquila e inocentemente con su trineo en la nieve.

Una de las escenas más significativas a nuestro parecer, es, sin irnos demasiado lejos, la escena Kane siendo chico y todavía viviendo en la casa con sus papas. Es importante, porque vemos por primera vez su trineo Rosebud. Al ver por primera vez la película quizás no nos damos cuenta, pero ya a la segunda, podemos observar que el director le pone énfasis al trineo en la escena, realizando por ejemplo, primeros planos. Un efecto novedoso de esta escena es cómo la cámara traspasa las paredes. La cámara está filmando adentro a la madre, y cuando esta grita “¡Charlie!”, llamando a su hijo que se encuentra afuera, la cámara realiza un paneo en el que traspasa la pared para filmarlo al chico afuera jugando con la nieve.

Otra escena interesante es la del momento en que Emily -su primera mujer-, descubre que Kane la está traicionando con otra mujer, y se dirigen a la casa de Susan para desenmascarar todo el asunto. Allí se encuentra Susan acompañada por Gettys, el gobernador de Nueva York y competencia política de Kane. Este hombre estaba detrás de todo el asunto, ya que amenazó a Kane con publicar su romance con Susan en los diarios en caso de que no renunciara a las elecciones que ya estaban por llegar. Hizo esto por el temor a perder su puesto político y a su vez de ser acusado y castigado por numerosos delitos que Kane se encargaría de esclarecer. Es una escena bastante violenta y fuerte. Aquí empezamos a comprender cómo es Charles. Él quiere ser dueño de la opinión pública, él quiere ganar a toda costa las elecciones; no le importa que su matrimonio se destruya ni que su hijo lea en los diarios la historia que tiene con Susan Alexander. Un efecto interesante que se usa al final de la escena, hace que la última toma que es de la casa de Susan cuando Emily y Gettys acaban de retirarse, sea la imagen de la primera plana de los diarios que cuentan las nuevas noticias del romance de Charles Foster Kane. Esto suele realizarse mucho en la película.
Podemos mencionar otra escena, del final de la película, cuando Susan abandona a Kane en el palacio Xanadú, y éste loco, encolerizado, comienza a destruir todo la habitación. No podemos olvidar la increíble actuación de Orson Welles en esta escena, y ese inolvidable rostro de nostalgia cuando toma la bola de cristal que le hace recordar a su casa y a Rosebud. A esta escena, le sigue otra, en la que, con la bola de cristal en la mano, y los criados observando, Kane se aleja de la habitación destruida y camina por los inmensos pasillos de su palacio. Aquí, como en varias otras escenas, recurren a los efectos de los espejos y reflejos. Por lo visto, Kane camina por un pasillo en el cual hay un espejo en cada pared, por lo tanto cuando pasa por ellos, podemos verlo a él, caminando, infinitamente solo.


Juicio

Verdaderamente esta película es completamente merecedora de los honores que ha sido otorgada. Comenzando con un guión impecable e intrigante hasta el final; la excelente actuación del elenco, especialmente la de Orson Welles -si tenemos además en consideración que él al hacer esta película tenía nada más que 25 años, y él no solo la dirigió sino también actuó de un personaje en todas sus edades, cuya personalidad es complicada y no del todo determinada-; la increíble cantidad de recursos y efectos cinematográficos; y la forma original de narrar esta historia, hacen de esta película, una obra más que completa.
Uno ve la película por primera vez, y le faltan ojos para mirar todos los efectos. También sucede quizás que al alterar tanto la línea de la historia, uno se pierde un poco en lo que se refiere a ella, pero siempre de alguna forma uno vuelve a retomar. Podría decirse que esta es una película para ver más de una vez debido a lo rica en efectos e incluso en diálogos que uno no da importancia pero son en realidad de suma relevancia para comprender la película en su totalidad.
Realmente es una película triste, muy profunda, que habla en gran medida de la naturaleza humana. Uno termina de ver Ciudadano Kane y queda con una sensación extraña. Por una parte, con un gusto amargo por la tristeza de un hombre que vivió al fin y al cabo solo, que derrochó millones y millones de dólares sin preocuparse ni un poco, y que encontraba en su trineo de la infancia su único motivo de felicidad y desesperación, lo único realmente puro que no estaba contaminado por lo material y superfluo, cosas que lo rodearon siempre desde que abandonó su casa materna. Y por otra parte, el espectador queda conforme, golpeado, pero conforme ya que si uno lo analiza bien, el final no puede tener más sentido ni lógica. El hombre que tiene todo, no busca más que aquello que lo hizo feliz en sus primeros tiempos de vida, tiempos de inocencia.

Por Camila Chiara y Luz Olivares

Post-Impresionismo

La merienda o la siesta
(Vincent Van Gogh)


Fecha: 1889-1890

Materiales: Óleo sobre tela

Dimensiones: 73 x 91 cm



Descripción

El tema que desarrollado por el artista en esta obra es el descanso de una pareja de campesinos a la hora de la siesta, es decir después de haber trabajado.
En primer plano, se encuentra una mujer y un hombre acostados sobre un pajonal, junto a ellos se puede ver que hay un par de zapatos (debido a que el hombre esta descalzo) y dos hozes (elemento usado para ese tipo de trabajo).
En el fondo, se pueden ver tres bueyes alimentándose junto a una carreta y a un hombre que aparentemente los esta cuidando.
En cuanto a la forma, los objetos son totalmente curvos esto se puede notar fácilmente en el cuerpo de las personas que prácticamente no presentan líneas rectas y en los montículos de trigo recogido.
La textura de esta obra se puede decir que debe ser rugosa, áspera y con grandes relieves, debido a la técnica utilizada por el artista (empaste).
En cuanto a la luz, esta se puede ver en el fondo y en la parte inferior de la obra.
Con respecto al color, en la obra predominan los colores cálidos exceptuando la ropa de los campesinos y el cielo en donde se ven colores fríos.
El artista para haber podido llevar a cabo esta obra utilizó óleo, al cual lo aplicó sobre una tela de 73 x 91cm.
Van Gogh al igual que varios impresionistas se caracterizó por su técnica rápida, de largas pinceladas cargadas de materia pictórica.


Análisis formal

La obra posee un gran movimiento, debido a la técnica y a las características de las pinceladas hechas por el artista. Estos movimientos son mas notorios en los cuerpos de los campesinos y en el cielo, aunque también se pueden notar en el trigo donde están reposando.
Es notorio que el artista le da un importante énfasis a los campesinos durmiendo y al entorno en donde se encuentran porque es realmente aquello lo que quiere mostrar.
Para poder mostrar esto, hizo uso de los colores, contrastando la ropa de los campesinos con el trigo.
La profundidad en esta obra se da a través de la diferencia de tamaños, la superposición de planos y por los efectos del color (en cuanto a la sombra debido que lo que es mas oscuro esta mas cercano mientras que lo que es más claro se encuentra más lejos).
Para darle más importancia a los campesinos los enfoca, mientras que a los bueyes y al hombre que se encuentran en el fondo los esfuma y no le da tanto protagonismo.
La relación que existente entre el sujeto y tema desarrollado por el artista es que trata sobre el descanso de los campesinos a la hora de la siesta y claramente se puede interpretar que habían estado trabajando (cosechando trigo) debido a que se ven sus herramientas de trabajo y aparte porque se pueden apreciar sus rostros cansinos.


Interpretación

La obra comunica notoriamente paz y descanso luego de una ardua jornada de trabajo.
Por el orto lado, transmite una sensación de esclavitud, debido a que se los ve sometidos a un trabajo bruto y tortuoso.
Este tema, el de los campesinos, es característico en la vanguardia en donde se puede ubicar esta obra, que es el postimpresionismo (que se desarrolló entre 1880 y 1910).
Los postimpresionistas en esa época se dedicaban, especialmente Van Gogh, a pintar temas relacionados con la naturaleza y la gente humilde trabajadora.
El legado que pretende dejar el artista con esta obra es mostrar las condiciones de trabajo de los campesinos y la forma de vida de estas personas, a la sociedad.
La obra es semejante por las características pinceladas de Van Gogh al resto de sus obras.
También, es muy parecida, la forma de las pinceladas de la vestimenta de los campesinos, con la vestimenta de él en su autorretrato, que de hecho usa la misma gama de color.
Con respecto al trigo, es también semejante a la obra pintada con posterioridad por él, llamada “ El campo de trigo con cuervos”.
El color utilizado y predominante de la obra es el amarillo, que también se encuentra con frecuencia en las obras realizadas por él.
La obra contiene una semejanza, con respecto a la temática, con una obra de Gauguin, llamada “La cosecha o paisaje Bretón”, que fue realizada en la misma época.
El propósito de la obra es mostrar la necesidad de un descanso en trabajos duros y forzados.
Durante esta época, la tarea de la cosecha era algo sumamente importante para los dueños de los campos y para la población debido a que el trigo para ellos era el sustento de sus comidas, porque con el preparaban el pan, el cual nunca se podía ausentar en una mesa.
Entonces, es por eso que el artista quiere mostrar como se llega a conseguir esta materia prima y también mostrar que hay personas que hacen un trabajo forzado para conseguirla y brindársela a la población.


Juicio

Desde un punto de vista neutro, la obra tiene un importante valor a pesar de no ser tan conocida como el resto de las obras de Van Gogh.
En ella se reconoce claramente la vanguardia a la que pertenece y el estilo de pintura del autor.
En cuanto a lo emocional, la obra transmite una sensación de descanso y paz interior luego de haber realizado tareas de exigencia física.
A la vez provoca tristeza en el observador al verificar las condiciones de trabajos forzoso a la que estaban sometidos los campesinos en ese momento.
En cuanto a las imperfecciones, el rostro del hombre y sus manos no están bien definidas.
Por el contrario, el autor logro una excelente reproducción de los cuerpos en reposo.
El autor en la obra utilizó su creatividad para mostrar un tema tan común como era la cosecha del trigo, de una forma distinta.
Sacando conclusiones, es una obra que sirve para detenerse un minuto y reflexionar acerca del privilegio que tenemos de pertenecer a un estrato social diferente.

Por Camila Chiara

Surrealismo

Premonición de la guerra civil
(Salvador Dalí)


Fecha: 1936
Materiales: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 100 x 99 cm.



Descripción

Se reconocen figuras del cuerpo humano (caras, manos, brazos pies, piernas, lengua), el cielo, una caja que también podría ser una puerta. También hay muchas figuras abstractas.
Se presentan formas un tanto abstractas y también formas del cuerpo humano combinadas de tal manera que hace la obra un tanto abstracta. Predominan el dinamismo por sus líneas curvas y por el sombreado de las formas (un tanto indefinidas), el cual también denota el volumen. Sin embargo, no se encuentra punto de fuga ni perspectiva más que el horizonte y el cielo. Hay mucha desproporción de tamaños, ya que la gran figura, mitad abstracta y mitad concreta, es enorme con respecto a la pequeña caja/puerta en la cual se ¿apoya?
La paleta de color es restringida a la gama del color carne/piel, por lo tanto predominan los colores cálidos, aunque también se presentan colores fríos en el cielo pero en menor grado. Los colores son claros, pero las partes sombreadas le dan su tono más oscuro a la obra. Las zonas más iluminadas son las nubes (cielo) y las figuras ubicadas en la parte posterior de la obra.
Dalí se caracterizó siempre por la perfección de sus obras, le digo “perfección” porque no se nota para nada la pincelada en ninguna de sus obras y esta es una más de esos ejemplos. Resalta mucho los volúmenes a través de las sombras.


Análisis formal

No se encuentra ningún tipo de simetría en la obra en sí, puede observarse en la estructura similar a un brazo una especie de simetría en la forma y los músculos, pero la obra en sí es asimétrica. Se transmite una sensación de movimiento en la figura semi-abstracta, ya sea por sus líneas dinámicas, como por sus colores cálidos que le aportan algo de vida a aquello. La figura (colores calidos) corta con el cielo de colores fríos.
Puntos de énfasis se pueden encontrar en la cara ubicada en la parte superior, como también en la mano y el seno de la izquierda, así como también en el pie de la derecha de la obra.
Se presentan patrones repetitivos como las manos y los pies, en distintas partes de la obra. También distintos tipos de estructuras del cuerpo humano.
Se trata en sí de diversas partes del cuerpo humano deformadas y unidas de tal manera que configuran una estructura irreal.
Con respecto al recurso técnico utilizado, se puede apreciar que la perspectiva se da a través del fondo de colores fríos (lejanía) y sobretodo porque la figura se presenta en colores cálidos, los cuales denotan cercanía con respecto al cielo. Llega un punto del cielo en que las nubes parecen esfumadas.
Se pueden identificar sujetos-tema como por ejemplo que se tratan distintas partes del cuerpo lastimándose unas a otras, sin embargo la manera en que está presentada, es muy ficticio.


Interpretación

Como principales cualidades expresivas, la obra expresa violencia, agresividad y hasta podría decirse que es vulgar. Parece influir el contexto histórico y social de la época.
La cara deja en evidencia cierta satisfacción/placer perverso por el dolor que se está auto causando.
Como se tratan de objetos concretos pero mezclados de tal manera que la terminan configurando como abstracta, esta obra es surrealista. Por otro lado, al ser de Dalí, uno de los más famosos representantes del surrealismo, ya deja en evidencia la vanguardia a la cual pertenece la obra.
Podría tener algún tipo de influencia el cubismo, por su limitación de la paleta al color carne, su agresividad y hay una importancia clara en lo que se va a retratar. Importa mucho cómo hacerlo en vez de retratar algo igual, también es un cuadro realista limitado a irreal. Se presentan símbolos de guerra.
Por otro lado, tiene en común cosas con el dadaísmo, ya que presenta objetos puestos de forma rara, como las figuras del cuerpo humano.
Como legado a futuro, deja algo muy importante, que es la idea de representar los sueños en el lienzo, en las obras, la interesante manera de mezclar cosas reales de tal manera que la obra resulte abstracta, bien típico del surrealismo.
Como analogía importante, encuentro al cielo tan característico de Dalí y ese perfeccionismo que deja en cada una de sus obras.
Evidentemente, el propósito de la obra era mostrar distintas partes de un mismo cuerpo lastimándose violentamente entre sí. Dalí quiso expresar la guerra civil española que estaba a punto de estallar, por decirlo así, y lo hizo a través de lo ya explicado. Quería mostrar lo triste y agresivo que era ver en una misma nación (cuerpo) que luchen internamente por imponer su ideología y así sólo se cause más dolor y desunión.


Juicio

Neutralmente, la obra es muy interesante por su agresividad y repulsión.
Sin embargo, despierta en mí emociones un tanto de enojo, pero por otro lado tristeza e interés por la obra.
Como aspectos negativos, me parece muy desagradable y violento la mano apretando el seño, la cara de satisfacción un tanto perversa y la lengua que se encuentra como separada del todo.
Como aspecto positivo y también creativo, en cambio, me parece una obra muy original e interesante y me gustó mucho que Dalí quiera expresar de una manera tan creativa y, en consecuencia, atrapante lo que se ve de una guerra civil, dejando en evidencia lo feo que se de desde afuera que en una nación se peleen por dentro.
Dalí quiso resaltar esa expresión particular del surrealismo, las cosas tanto concretas como abstractas, los sueños, la manera en que la mente humana mezcla de manera inconsciente (o consciente, también), las distintas ideas en el cerebro ya sea en los sueños, o no.

Por Marina San Martín

Simbolismo

El Grito
(Edvard Munch)


Fecha: 1893
Materiales: Tempera y pastel sobre tabla
Dimensiones: 91 x 73,5 cm.


Descripción

Puedo reconocer un puente, un río, unos barquitos, un cielo y personas.
Se encuentran muchas líneas en la zona del puente, las maderas. También hay muchas líneas curvas. Deformaciones de las figuras (humanas sobretodo).
En el puente se encuentran sombras, específicamente en la baranda. El volumen se expresa sobretodo con la perspectiva y los cambios de tamaño. El punto de fuga se encuentra a la izquierda. Él está más grande que sus compañeros.
Utiliza colores arbitrarios, complementarios y predominan los colores oscuros y son opacos.
La cara se encuentra más iluminada que el resto de la obra y también el cielo, pero en definitiva es una obra oscura y opaca.
Se utilizan pinceladas largas, mezcla colores complementarios.


Análisis formal

Hay un equilibrio en la figura más cercana, pero no llega a ser simetría. Hay mucho contraste entre el fondo (colores cálidos) y lo demás (colores fríos/oscuros). El mayor punto de énfasis es la cara deformada. En la persona principal, predominan las líneas curvas tanto como en el fondo (río y cielo) mientras que en el puente y las personas de atrás predominan las líneas rectas.
La perspectiva se ve en forma regresiva, ya que hay un punto de fuga en el medio hacia la izquierda, que demuestra cierta lejanía, pero también el cielo está representado con colores cálidos, que indican una especie de cercanía. La persona principal es muy grande, en relación con las demás personas más atrás, hay una diferencia de tamaños evidente.
El horizonte está esfumado, así como el río y el cielo.
En esta obra, se pueden observar a dos personas a lo lejos caminando por un puente y a otra principal que se encuentra alejada de las otras dos, pero más cercana en perspectiva. Esta es una situación bastante acercada a una situación cotidiana.


Interpretación

Principalmente, se interpreta como un grito de desesperación, un pedido de ayuda. Esto se nota porque el mayor punto de énfasis se encuentra en la cara deformada de la persona principal, que demuestra estar gritando de una manera desesperante y parece estar horrorizado. También se nota al estar la cara un tanto deformada. Representa la situación personal del autor.
Por otro lado, se observa que le da más énfasis a la figura principal y que el fondo se encuentra más difuso, pero existe una relación de dependencia entre la figura y el fondo, por más que uno se encuentre más “desvalorizado” que el otro. Lo más importante es el estado de la figura que puede interpretarse como que se encuentra en un estado de desesperación, angustia, necesitado de ayuda, horrorizado; pero esto se relaciona con el fondo donde representaría que, a pesar que parezca de menor importancia, influye en él, ya que el fondo representaría una situación cotidiana, de un puente, con su correspondiente río y el cielo. Pero hay un detalle en el río, que es el de dos barquitos, donde se encuentran personas que pasean con tranquilidad, relajándose, sin tener preocupaciones que es aquello que influye sobre la figura, ya que a ésta le tocó vivir una situación desesperante y, al ver que otros viven tranquilos y relajados, se siente horrorizado de su situación y le gustaría estar como aquellas personas en los barquitos, ser uno más. Esto también podría estar expresado por el hecho de que en el fondo predominan las líneas curvas, mientras que donde él se encuentra (puente), son líneas rectas, pero él corta con esas líneas rectas, que son en él más curvas, lo cual podría interpretarse que desearía ser parte del fondo, de la gente normal, sin problemas.
Como es una representación/expresión de la situación personal del autor, se caracteriza por los cambios de escala, deformaciones, colores complementarios y símbolos, indica pertenecer al simbolismo/expresionismo nórdico.
El expresionismo fue una corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. Es decir anteponía esos sentimientos a las propias formas.
El movimiento artístico en el que Munch se encontraba también respondía ante las clases burguesas y muchas veces a través de la representación de los sentimientos trataban de reflejar las injusticias sociales.
Munch llevaba al límite la pintura no objetiva.
Influye mucho el post-impresionismo, al poner colores un tanto yuxtapuestos, al desmaterializar el fondo, utilizar colores arbitrarios, perspectiva deformada y también esa intención de sacudir al espectador.
Tiene parecidos con algunas obras de Van Gogh, y también, siempre se supo que se sentía atraído por las obras de Gauguin (viajaba mucho a París) y comparte con él ese simbolismo característico.
El Grito y la obra de Munich, tuvo, en general, una relevante influencia sobre el expresionismo alemán, concretamente, sobre la corriente artística El Puente.
Estos pintores criticaron la sociedad regida por el trabajo industrial y por el sistema socio-económico de Guillermo II, de forma más directa y clara.
Ellos tomaron el testigo de Munch, ese que afirmaba que sería insincero no mirar más que al lado agradable de la vida.
Se observa mucho en otras de las obras de Munich, que desmaterializa el fondo, dando a entender que desea resaltar más la figura que el fondo, pero más que nada, la situación en la que se encuentra la figura. Por ejemplo, en esta obra, El grito, no es tan importante el lugar ni lo que sucede detrás de la figura, sino la figura misma y, más que nada, su expresión de desesperación. En otra de sus obras, Soledad, también representa el fondo un tanto difuso, pero nunca deja de entenderse qué es. En dicha obra, se encuentra la figura en la playa, sola y muestra, bien a lo lejos, entre ese fondo mitad desmaterializado y mitad no, en un muelle a una pareja que está contrayendo matrimonio. Lo que esto nos dice es que si bien quiere resaltar el estado de la figura principal, ese estado depende de lo que está sucediendo en su entorno (en el fondo).
Munch, se caracterizó por tratar en sus obras los sentimientos y las tragedias humanas. En esta en particular, se dedicó a expresar la angustia y el dolor que sentía por dentro.
En unas notas de 1886 escritas por el autor en Niza, Munch recuerda la situación que daría origen al cuadro:
“Iba caminando con dos amigos por el paseo el sol se ponía - el cielo se volvió de pronto rojo - yo me pare - cansado me apoye en una baranda - sobre la ciudad y el fiordo oscuro azul no veía sino sangre y lenguas de fuego - mis amigos continuaban su marcha y yo seguía detenido en el mismo lugar temblando de miedo - y sentía que un alarido infinito penetraba toda la naturaleza”.
Su fuente de inspiración fue ese día en el que salió a despejarse de la situación trágica que estaba viviendo, que no se aclara en lo citado anteriormente, (su madre y una de sus hermanas murieron siendo él muy joven y a otra de sus hermanas le fue diagnosticada una enfermedad mental), con dos amigos, y por un momento él se separó de sus amigos y pegó un grito muy fuerte y desesperante; entonces decidió volcarlo de manera artística sobre la tabla, aprovechando, así, para descargarse ese dolor interno y poniendo en manifiesto que se encontraba desesperado y necesitado de ayuda.
Por otro lado, el grito que Munch dirige a la ciudad no sólo transmite una angustia personal del pintor sino además una cierta incomprensión y crítica hacia la nueva forma de organización socioeconómica de la época.
No parece muy descabellado considerar que ese grito de incomprensión y desesperación incluyera algo de lo que respiró a lo largo de su vida en Cristiania y más tarde en París, la lucha contra un sistema socioeconómico que no entendía.
Cristiania (la actual Oslo) se consideraba la cuna del movimiento Bohemio noruego, en la época de Munch.
Los bohemios de Cristiania dirigían sus trabajos y sus provocaciones contra la falsa complacencia y contra la estrechez de principios morales y éticos. Consideraban que el sistema estaba envuelto en contradicciones.
No compartían la forma de organizarse de la sociedad y por ello vivían en un clima de represión y Munch no fue ajeno a este movimiento de protesta.
Munch, luchaba por el ideal de una sociedad honesta y vigorosa y defendían la liberación social sometiendo para ello los valores recibidos a una crítica despiadada.
Munch estaba por tanto dentro de esta corriente reivindicativa y hacia finales de los 1890 tenía proyectado un ciclo de cuadros con el tema de la vida Bohemia.
En definitiva, Munch creció en el ambiente Bohemio y al igual que este movimiento criticaba los valores establecidos.
Pero, por otro lado, Eduard Munch pinto el Grito en 1893 en París, sin duda una de las cunas del pensamiento contemporáneo y de las reacciones sociales que siguieron a la Revolución industrial.
La Revolución industrial es un hecho histórico que marca un antes y un después no solo en la historia del pensamiento social y político, sino además, y fundamentalmente, en la forma de organizarnos socio-económicamente como civilización humana.
La sociedad se subordinó a la economía. De alguna forma, una economía de mercado solo podía existir en una sociedad de mercado. Todos los componentes de la economía, incluida la tierra y la mano de obra, se incluyen en ese sistema de mercado y todos los factores de producción son considerados mercancías destinadas a la venta y sujetas al mecanismo de la oferta y demanda.
Resulta interesante leer lo que Munch dice del arte dentro de este nuevo sistema de producción:
“Lo que esta arruinando el arte moderno es el comercio, al exigir que los cuadros se vean bien una vez que se los cuelga en la pared. No se pinta por el deseo de pintar......o con la intención de pintar una historia. Yo que fui a Paris hace siete años (Munch residió en París en 1885) lleno de curiosidad por ver el salón y que estaba dispuesto a dejarme llevar por el entusiasmo –lo que sentí fue sólo repugnancia”
París vivió una época de boicots, sabotajes y huelgas generales contra la clase burguesa y El Grito fue pintado en este clima social. Por lo tanto, considero que para un pintor comprometido con el movimiento Bohemio e identificado con el enfrentamiento contra la clase burguesa la abstracción le hubiera resultado complicada.


Juicio

Desde un punto de vista neutro, demuestra ser una obra de suma importancia, a pesar de haber sido pintada en 1893, en la actualidad sigue teniendo un fuerte peso por su carácter expresionista. También esto de denota por el hecho de que fue robada hace 3 años y recuperada recién el año pasado del museo donde se encontraba.
Por otro lado, esta obra me llamó mucha la atención ya que su autor, Munch, se destacó más que nada por tratar en sus obras los sentimientos y tragedias humanas, y opino que el arte realmente puede apreciarse cuando es evidente que el autor expresa aquello que siente, aquello que vive o vivió. Aprecio mucho más las obras que demuestran tragedias, que aquellas que expresan felicidad porque estas últimas las considero aburridas; en cambio, las otras abarcan una diversidad inmensa de sensaciones y sentimientos; esto lo digo porque pueden presentarse situaciones trágicas en distintas personas pero la manera de enfrentarlas de cada uno siempre va a ser diferente, en cambio, la felicidad, alegría, etc, por lo general, siempre es expresada de maneras similares (cuadros ricos en colores, colores radiantes, cálidos, brillantes, alegres, entre otras). Es muy interesante esa manera particular de expresarse de Munch.
Pero, como nadie ni nada es perfecto, esta obra presenta desde mi criterio algunas imperfecciones, como por ejemplo ese horizonte un tanto difuso no es de mi agrado, por el hecho de que parece que el río es introducido dentro del cielo. Tampoco me parece la mejor manera de pintar el fondo, las pinceladas largas y la cara necesitaría un toque más de luminosidad, para que llame más la atención que el cielo.
En cambio, desde un punto de vista optimista, considero muy equilibrante ese toque de oscuridad de la obra en general, también que el fondo se encuentre representado de manera un tanto difusa para que pueda destacarse más los sentimientos y la expresión de la figura.
Por el lado creativo, es muy interesante como ha sido deformada la figura humana, de modo que parezca más fantasmal y acentúa ese dejo siniestro y de horror de la obra y del autor. También es muy creativa la forma de expresión de la cara, es muy penetrante, podría hasta decir que me transmite una imagen auditiva de la intensidad de ese grito.
En definitiva, Munch aportó mucho a la sociedad y al mundo del arte, tanto en su época como en su posterioridad, inclusive en la actualidad. Alentó a desarrollar de una manera tan particular la expresión de los sentimientos en forma de arte y así a experimentar maneras dentro de todo “sanas” para despejarse uno o más bien para descargarse, se las distintas situaciones que les toca vivir a cada uno. Fue un artista muy original, hizo que se aplicaran conceptos nuevos en al arte (llevó al límite la pintura no objetiva y anteponía sus sentimientos a las propias formas) y también nos enseñó que a la hora de hacer arte, hay que sentirlo realmente y sacarlo desde lo más profundo de nuestro espíritu.

Por Marina San Martín